跳至內容

比伯軍曹寂寞芳心俱樂部

本頁使用了標題或全文手工轉換
維基百科，自由的百科全書
佩珀軍士的孤獨之心俱樂部樂隊
Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band
The Beatles, holding marching band instruments and wearing colourful uniforms, stand near a grave covered with flowers that spell "Beatles". Standing behind the band are several dozen famous people.
披頭士的錄音室專輯
發行日期1967年5月26日 (1967-05-26)
錄製時間1966年11月24日至1967年4月21日
錄音室
類型
時長39:36
唱片公司
製作人喬治·馬丁
披頭士專輯年表
披頭士老歌集（英語：A Collection of Beatles Oldies）
（1966年） 		佩珀軍士的孤獨之心俱樂部樂隊
（1967年） 		披頭士樂隊
（1968年）
披頭士北美專輯年表
左輪手槍
（1966年） 		佩珀軍士的孤獨之心俱樂部樂隊
（1967年） 		奇幻之旅
（1967年）

《佩珀軍士的孤獨之心俱樂部樂隊》[1][2]（英語：Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band，以下簡稱《佩珀中士》）是英國搖滾樂隊披頭士的第8張錄音室專輯，1967年5月26日在英國發行[a]，6月2日在美國發行。該專輯發行後迅速獲得巨大的商業成功，在英美兩國分別奪得27周和15周的周榜冠軍。同時這張專輯也因富於啟發意義的創編、製作和插圖設計，在流行音樂與嚴肅音樂之間的橋梁作用，以及從音樂角度對於嬰兒潮一代和60年代反文化的集中反映而獲得樂評界廣泛好評。被譽為是「人類史上影響力最大的專輯」。這張專輯在1968年攬獲四項格萊美獎，其中包括年度專輯獎。《佩珀中士》是首張獲此殊榮的搖滾專輯。

1966年8月，披頭士樂隊宣布永久終止巡迴演出並開始了3個月的休假。同年11月，在返回倫敦的航班途中，保羅·麥卡特尼突發奇想，打算寫一首有關愛德華時代軍樂隊的歌。這最終促成了本張專輯的概念。專輯的製作11月24日在阿比路二號錄音室拉開序幕。樂隊一開始錄製了兩首受四人童年經歷啟發而創作的歌，為〈永遠的草莓地〉以及〈便士巷〉（"Penny Lane"）。不過由於唱片公司方面的要求，這兩首歌並沒有收錄入專輯中，而是以雙A面單曲形式發行。

1967年2月，在錄製完同名歌曲《Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band》（下稱《Sgt. Pepper》）後，麥卡特尼建議接着為這支虛構的軍樂隊製作完整的專輯。這樣的一個代表着樂隊另一面的團體給予他們充分的自由來做音樂方面的實驗。在錄製過程中，樂隊在他們1966年的專輯《左輪手槍》的基礎上又在技術上做了進一步的嘗試。由於歌曲可以不必完全現場錄製，樂隊在〈讓我的朋友們幫點小忙（英語：With a Little Help from My Friends）〉、〈鑽石天空下的露西〉以及〈生命中的一天〉中做了編曲以及錄音方面的實驗。製作人喬治·馬丁與工程師傑夫·埃默里克（英語：Geoff Emerick）使用了一系列創新的技法，諸如音形控制等信號處理技術以及由四十餘人的管弦樂隊演奏隨機的漸強樂段等等。錄音最終在1967年4月21日完成。封面由英國波普藝術家彼得·布萊克（英語：Peter Blake (artist)）和詹恩·霍沃思（英語：Jann Haworth）設計，描繪了站在一班名人與歷史人物之前的樂隊成員。

由於使用了套曲曲式，《佩珀中士》被音樂學者認為是概念專輯的早期代表，同時標誌着披頭士藝術方面的進一步成熟。它被稱作是藝術搖滾的先驅之一，促進了前衛搖滾的發展並昭示了專輯時代（英語：Album Era）的到來。作為英國迷幻搖滾的重要代表作品之一，這張專輯攙雜着形形色色、各式風格的音樂，包括歌舞雜耍、馬戲團音樂（英語：Circus music）、劇場音樂、前衛音樂、西方古典音樂以及印度傳統音樂。2003年，美國國會圖書館因為《佩珀軍士的孤獨之心俱樂部樂隊》在「文化、歷史或是美學方面的重要性」將其收入國家錄音名錄（英語：National Recording Registry）。[4]同年，專輯在《滾石》雜誌評選的「史上最偉大的500張專輯」榜單中奪得頭籌。截至2011年，這張專輯在世界範圍內總計售出3200萬張，是最為暢銷的專輯之一，更在《牛津英國文學百科全書》中被評為「有史以來最重要，最有影響力的搖滾專輯」。[5]

背景

[編輯]
我們已經受夠了過去的披頭士。我們很討厭（像過去那樣扮作）四個留着蓋頭的男孩的方式（去演出）。我們不再是男孩，而已經是男人了……並且將自己看作是藝術家而不只是表演者。[6]
–保羅·麥卡特尼

到了1966年，披頭士的各位成員已經厭倦了現場表演。[7]在約翰·列儂看來，他們只需要「放上四個人的蠟像……就可以滿足圍觀的人們了。披頭士的演唱會與音樂已經沒有什麼關係了。它們只是該死的部落祭典。」[8]該年的6月，在完成專輯《左輪手槍》兩天之後，樂隊起程前往德國開始巡演。[9]在漢堡時，他們收到了一份匿名電報：「不要來東京。你們的小命危險了。」 [10]由於日本的宗教信仰與樂隊本身的爭議，特別是披頭士計劃在當時被視為神壇的日本武道館的演出更是遭到各方面的反對，樂隊所受到的威脅得到了重視。[10]日本政府出動了3萬5千名警察保護樂隊成員。樂隊從酒店到演唱會場地更是全程乘坐裝甲車輛。[11]有禮而拘謹的日本觀眾令樂隊覺得可怕，因為沒有歌迷的尖叫聲讓他們覺得演出非常糟糕。而在到達菲律賓後，因為沒有拜訪第一夫人伊梅爾達·馬科斯，他們受到了威脅，並遭到了當地民眾粗暴的對待。樂隊對於經紀人布萊恩·愛普斯坦感到不悅，因為他讓他們繼續堅持完成這個令人疲憊並沮喪的行程。[12]

樂隊成員1966年8月在他們最後的巡演途中與電台DJ吉姆·斯塔格（英語：Jim Stagg）的合影

在披頭士返回倫敦後，喬治·哈里森這樣回應有關樂隊長期計劃的問題：「我們會休養幾個星期來應付美國人的暴擊。」[13]他的這番話不幸一語成讖，列儂有關披頭士「比耶穌更受歡迎」的言論引起了美國聖經帶民眾抗議的浪潮。[13]儘管樂隊的公開致歉暫時緩和了緊張的局勢，但滿是空座的觀眾席與欠佳的演出註定了這次災難性的巡演會是他們最後的巡演。[14]尼古拉斯· 沙夫納（英語：Nicholas Schaffner）這樣寫道：

對於披頭士來說，這樣的演唱會也不過是在虛與委蛇。它們已經與樂隊的追求南轅北轍。他們新發售的《左輪手槍》中沒有一首能在巡演中表演。因為其中的編曲對於舞台上雙吉他-貝斯與鼓的樂隊來說幾乎難以再現。[15]

在披頭士回到英國後，有關他們已經決定解散的謠言開始四處傳播。[16]哈里森曾向愛普斯坦坦承想要離開樂隊的心思，不過在得到不會再有巡演的保證後又被說服留在樂隊。[13]樂隊得到了三個月的休假來專注於自己感興趣的事情。[17]哈里森去印度旅行了六個星期。其間，他隨拉維·香卡學習了錫塔琴，[18]並研究了他感興趣的印度哲學[19]。作為樂隊中最後一位對現場演出斷念的成員，[20]保羅·麥卡特尼與披頭士的製作人喬治·馬丁一起合作完成了電影《The Family Way（英語：The Family Way）》的原聲帶。[21]列儂出演了電影《How I Won the War（英語：How I Won the War）》並出席了一些美術展，比如在他認識後來的妻子小野洋子的印度美術館（英語：Indica Gallery）舉行的一次展覽。[22]而林戈·斯塔爾則將假期用在陪伴妻子和兒子。[23]

概念與靈感來源

[編輯]

1966年11月，在從肯尼亞返回倫敦的航班上，麥卡尼突發奇想。他想要寫一首有關愛德華時代軍樂隊的歌。這促成了本張專輯的概念。與他同去度假的披頭四巡演經理馬爾·埃文斯（英語：Mal Evans）按照當時舊金山地區樂隊的風格，比如老大哥和控股公司（英語：Big Brother and the Holding Company）和水銀信使（英語：Quicksilver Messenger Service），為這個軍樂隊命名。[18][24][b]1967年2月，麥卡尼向樂隊提議延續這首歌的概念，錄製一張可以代表這支虛構樂隊表演的完整專輯。[27] 這支具有另我意味的團體會給各位成員充分的自由來做音樂實驗。他解釋道：「我想，就不要做現在的自己了，發展另一個自己吧。」[28]馬丁後來回憶道：

「胡椒軍曹」這個概念是在專輯製作過程中出現的。那是首保羅的歌，只是一首普普通通的搖滾歌曲……不過，當我們完成後，保羅說：「我們為什麼不讓這張專輯聽起來像是胡椒軍曹樂隊確實存在，並且就是胡椒軍曹自己製作這張唱片呢？我們可以加一些音效之類的東西。」我愛這個點子，並且從那時起，「胡椒軍曹」就像有了自己的生命。[29]

1966年，美國音樂人布賴恩·威爾遜對於錄音師菲爾·斯佩克特的「聲牆（英語：Wall of Sound）」與披頭四專輯《橡皮靈魂》的錄音技術非常感興趣並且非常仰慕。這在海灘男孩樂隊的專輯《寵物之聲》中有所體現。威爾遜在其中展示了他在製作與創編的嫻熟。[30][c]這張專輯影響了當時許多音樂人。麥卡尼對其尤其讚賞有加，認為它啟發「披頭四擴展視野，關注那些流行音樂通常不會出現的音色與織體。」[34]麥卡尼覺得他輪番播放那張專輯讓列儂也潛移默化得受到了影響，並補充道：「它完成得非常漂亮……我們受到了啟發，汲取了一些創意。」[35][d]馬丁後來說：「要不是《寵物之聲》，《胡椒軍曹》可能也就做不出來了……專輯的初意就是與《寵物之聲》比肩。」[39]

此外，《胡椒軍曹》也受到了the Mothers of Invention（英語：the Mothers of Invention）樂隊的《瘋掉了！（英語：Freak Out!）》影響。[40]麥卡尼曾在專輯錄製期間不停地說：「這是我們的《瘋掉了！》。」[41]麥卡尼製作一張概念專輯的念頭可能是在聽到《瘋掉了！》（公認為首張搖滾概念專輯）後產生的。[42][40][e]

錄音與後期製作

[編輯]
A colour image of a large room with a piano in the middle
阿比路二號錄音室，專輯中的曲目基本都是在這裡錄製的。[45]

麥卡特尼從《佩珀中士》開始主導披頭士的創作。專輯中一半多的素材都是出於其手。他還全程監製了這些素材的錄製。從這點出發，他為樂隊的作品提供了藝術導向。[46][f]《佩珀中士》從1966年11月24日開始在阿比路二號錄音室錄製，但樂隊四人在9月時就已集合。[49]由於在錄製預算上沒有上限，他們也就儘可能地長時間訂下錄音室，來讓他們想工作到多晚就工作到多晚。[50][g]他們從三首與童年有關的歌開始：《永遠的草莓地》、《在我六十四歲時》以及《便士巷》。[51]他們在這一階段引入了美樂特朗（英語：Mellotron）。[52]這種可編程電子琴的琴鍵可以隨彈奏者需要觸發多種樂器的音色。[53]《Strawberry Fields Forever》前奏中的長笛聲就是麥卡特尼用這種樂器彈奏出來的。[52]這首歌還用到了一種新技巧：把音高與速度不同的兩次錄音疊加在一起。[54]埃默里克後來這樣回憶《左輪手槍》的錄製過程：「我們必須習慣應付那些看起來不可能實現的要求。我們知道披頭士的字典里不存在『不』這個字。」[55]在馬丁看來：「從《左輪手槍》到《佩珀中士》可以說是水到渠成」，它標誌着「不斷實驗新技術的時期」。[56][h]

那些樂評開始把我們批得一文不值……因為（《佩珀中士》）錄音已經花了五個月。我還記得看到一篇說披頭士已經江郎才盡的樂評時心裡的暗笑。我坐在那裡搓着手說：「你等着。」[59]
– 保羅·麥卡特尼

在EMI與愛普斯坦方面的壓力下，《永遠的草莓地》與《便士巷》在1967年2月發行了雙A面單曲。[60]由於這張單曲沒能登頂，英國報界開始看衰樂隊的發展前景，頭條滿是「披頭士沒能登頂」、「四年一度」以及「泡沫已破？」這樣的新聞。[61]在專輯發行時，在愛普斯坦堅持要求下，這兩首歌沒有收錄於專輯裡。[62][i]但馬丁後來覺得放棄這兩首歌是他「職業生涯中最大的失誤」。[64]不過在他看來，這首在錄音室里用了史無前例的55小時的時間錄製的《永遠的草莓地》為整張專輯確定了製作方向。[65]他後來這樣描述這張專輯的錄製過程：「這張唱片（中的歌曲）……將不會是現場錄製的：它們生來就是錄音室的產物。那就是（與以前的）分野之處。」[66]麥卡特尼的目標是去製作披頭士最好的專輯：「我們現在的演出就是錄音。」[67]1966年12月6日，樂隊開始錄製第一首專輯曲，《在我六十四歲時》（When I'm Sixty-Four）。[68]

A colour image of a grey recording machine
《佩珀中士》錄製時使用的Studer J37四軌錄音機。[69]

《佩珀中士》使用四軌（英語：Multitrack recording）設備錄音。儘管當時美國已經有八軌錄音機了，不過英國方面要到1967年末才將這種設備投入商用。[70][j]《佩珀中士》與之前的專輯一樣用到了降混（英語：Ping-pong recording）（reduction mixing）技術。音頻工程師可以利用這種技術實現多軌錄製的效果。[72]EMI的施圖德（英語：Studer）J37型四軌錄音機非常適合用來降混，它的錄音質量高，且可以減小過程中產生的噪聲干擾。[73]由於想把貝斯部分最後加錄，麥卡特尼一般在錄製一首歌的背景音軌時會演奏其他樂器。這樣他就有更多時間來創作錄製作為歌曲配器最後一環的有旋律性的低音線。[74]在錄製《生命中的一天》管弦部分時，馬丁將錄製的收音機與另一台播放披頭士背景音軌的錄音機做了同步。工程師肯·湯森（英語：Ken Townsend）在兩個機器間使用了一個50 Hz的控制信號實現了這個過程。[75]

《佩珀中士》的錄音的一個特色是馬丁與埃默里克利用信號處理技術實現的音形控制（sound shaping）。這個效果利用了動態範圍壓縮、混響以及信號限幅技術。[76]其中還用到了新的效果器，比如流聲（running voices）和萊思麗揚聲器（英語：Leslie speaker）。[77]此外，幾種當時新興的後期製作技術，比如音頻直接輸入（英語：DI unit）、轉速控制（英語：pitch control）以及雙聲環繞（英語：ambiophonics）等等，在其中也有應用。[78]其中值得一提的是自動雙軌錄音（英語：Automatic double tracking）（Automatic Double Tracking，ADT）技術。後期製作人員可以通過這種技術同時收得兩份錄音，以實現翻倍增益。在此之前，如果要實現這種效果則需要錄這個片段兩次，相較ADT來說冗長而精度低。這項技術是湯森在1966年在《左輪手槍》時為披頭士特別發明的。樂隊成員不大喜歡之前那種錄音流程並多次向他求助。ADT不久後就成為了流行樂錄製時慣用的技術。[79]馬丁曾跟列儂打趣說：「（列儂的聲音）用雙重摩擦振盪輪緣做了處理……加了倍。」[80]列儂知道馬丁在開玩笑，不過之後還是將這種效果處理稱作輪緣處理（英語：flanging）（flanging）。這個稱呼後來在音樂界沿用。[80]另一種音效則是變速（英語：Pitch shift）。[77]據馬丁說，《露西在綴滿鑽石的天空》是專輯中用到帶速變換最多的一首歌。在錄製列儂的聲音時，帶速由50轉每秒調整至45轉每秒。這樣的處理令他的聲音在以常速播放時聽起來更尖細。[81]

聽着他們唱片中的每個片段，通常在一兩段後就很難知道（音樂）會走向哪裡，一切已經如此完整了。最後充分發展而又層次分明的織體會淹沒一開始簡單的小調。但他們知道這不怎麼對，儘管不能明說。他們對每首歌都要死磕10小時。這樣的付出令人肅然起敬。[82]
– 亨特·戴維斯（英語：Hunter Davies），1968年

為了得到想要的效果，披頭士把《變好（英語：Getting Better）》重錄了許多次。斯塔爾會在重錄基本音軌時被召到錄音室，而在錄人聲音軌時離開。[83]在標題曲《Sgt. Pepper（英語：Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band (song)）》中，斯塔爾的鼓聲在錄音中通過制音器以及貼近麥克風的手法得到增益。披頭士在這張專輯中用到的可以創造「三維」效果的新技術迅速被美國的錄音師吸收採納作為標準方法。[84]麥卡特尼分別在《生命中的一天》和《Sgt. Pepper》裡彈奏了三角鋼琴和勞里管風琴（英語：Lowrey organ），而馬丁則在《變好》和《為凱特先生好！（英語：Being for the Benefit of Mr. Kite!）》中彈奏了霍納電子琴和簧風琴。[85]雖然作為主吉他手的哈里森在此期間沒有充分發揮，他為這張專輯還是做出了一些重要的貢獻。[86]除了在自己寫的《身內體外（英語：Within You Without You）》中彈奏了西塔琴，哈里森還在《露西在綴滿鑽石的天空》與《變好》中演奏了彈撥爾。[87]

列儂此時並不喜歡麥卡特尼對於樂隊的指導，除了《永遠的草莓地》外，他覺得自己是在「應約寫歌」而不是像在《左輪手槍》中那樣「用心寫歌」。[88]斯塔爾也覺得錄製期間「非常無聊」。這位鼓手後來這樣哀嘆：「關於《佩珀中士》，我記得最清楚的……是我學會了下象棋。」[86]哈里森則在2000年表示，他對於麥卡特尼虛構的那個樂隊一點都不感興趣，而在印度之行後，他覺得：「我的心仍然留在那裡……那時候我沒什麼興趣當個『披頭成員』。」[89]他還表示，他在《橡皮靈魂》與《左輪手槍》的錄製過程中非常享受，而非常厭惡已變成「工廠組裝」的《佩珀中士》，「往往最後就只是保羅彈着鋼琴，而林戈跟上節拍。我們無法像支樂隊一樣演奏。」[90]

《佩珀中士》是首張曲目間無間隔灌錄的流行專輯。[91]其中使用了兩次淡入淡出效果來使前後幾首歌渾然一體，讓人覺得像是不間斷的現場演出。[92][k]儘管為這張專輯準備了立體聲與單聲道混音兩種方案，樂隊成員卻並沒有怎麼參與在他們看來不那麼重要的立體聲混音工作，把它留給了馬丁與埃默里克。[94]埃默里克後來這麼回憶：「我們在單聲道混音上花了三周，立體聲也許只花了三天。」[95]他估計在這張專輯上花了700個小時，是製作費用僅400英鎊的披頭士首張專輯《請取悅我》的三十倍。[96]《佩珀中士》的錄製最終花費了約25000英鎊（相當於現在的482743英鎊）。[97]這張專輯在1967年4月21日錄製完專輯結尾的噪聲與人聲後正式完成。[98]

詞曲創作

[編輯]

《佩珀中士》的風格在一些音樂學家看來主要是搖滾與流行。另一些則認為其中涉及了「各色各樣的音樂與戲劇風格」。[99]在他們看來，其中的音樂結合了搖滾、歌舞雜耍、大樂團爵士、鋼琴爵士、布魯斯、室內樂、馬戲團音樂（英語：circus music）、劇場音樂、前衛音樂、西方古典音樂以及印度傳統音樂等等風格。[100]他們覺得這張專輯調和了「美學理念南轅北轍」的古典樂與迷幻音樂，最終得到了「迷幻古典合成體」。[101]因而有的音樂學家將其稱作是「原始前衛搖滾（英語：proto-prog）」。[102]

我們確實不想把這張專輯塞滿大麻與藥劑，不過它還是變成那樣了。我們更刻意地去把它屏蔽掉。你不能明說：「我嗑了點藥，妙極了。」但在《左輪手槍》與《佩珀中士》之間確實又有那種調調。[90]
– 約翰·列儂，1968

由於《佩珀中士》中有些歌詞提到了娛樂性藥物，BBC在廣播中禁播了一些歌。比如《生命中的一天》（A Day in the Life），對於其中的一句「我就讓你進入狀態吧。」（"I'd love to turn you on"），BBC方面認為它「鼓勵寬容對待使用藥劑」。[103]儘管列儂與麥卡特尼當時否認歌詞與毒品有關，麥卡特尼後來還是暗中承認了一些歌詞刻意寫得曖昧，讓它們看起來跟非法藥劑或是性行為有關。[104]《露西在綴滿鑽石的天空》的含義一直引人遐思。不少人相信它暗指了麥角二乙酰胺（LSD）。[105]BBC因此禁播了這首歌。[48]他們還禁播了《為凱特先生好！》（Being for the Benefit of Mr. Kite!），因為歌詞連用了「Henry」與「Horse」這兩個常用來指代海洛因的俚語。[106]有的歌迷推測那個「Henry the Horse」是個毒販而《補上漏洞》（Fixing a Hole）寫的則是吸食海洛因的過程。[107]像這樣的歌詞還有，《得益於我朋友的小小幫助》中的「我過癮了」（"I get high"）、《可愛的麗塔（英語：Lovely Rita）》中的「來點茶」（"take some tea"，常用來指代吸食大麻）以及《在我六十四歲時》中的「挖雜草」（"digging the weeds"）。[108]

一些學者認為《佩珀中士》歌詞的醉翁之意不止在於毒品文化，還有形而上學以及「權力歸花兒」這種非暴力抗議活動等等因素。[109]這些研究者覺得這張專輯可以看作是1960年代「社會、音樂以至文化變革」的體現。[110]美國心理學家以及反文化代表人物蒂莫西·利里表示這張專輯「發泄出了陳俗舊例終結時（人們的）情緒……它正逢其時」。並且它還呼籲了那種基於和平主義的文化變革。[111]一些研究者認為，這張專輯的基本價值在於它「緊扣住時代與區域特點的（能力），比同時期其他事物都更生動有力」。[112]他們覺得這張專輯還為「愛之夏前夕的英格蘭拍了一張歷史快照」。[111] 另一些學者則基於歌詞的文本提出《佩珀中士》的主旨在於指出純真喪失以及沉溺幻想的危險。[113]

收錄曲目

[編輯]

第一面

[編輯]
《Sgt. Pepper》
一些研究者對於麥卡特尼的這種「聲嘶力竭的硬搖滾唱腔」大加讚揚。馬丁也認為這首歌是《佩珀中士》中「最有辨識度的『披頭士之聲』」。[114]
播放此檔案有問題？請參見媒體幫助。

《佩珀中士》以它的標題曲開篇。這首歌曲開場的十秒摻雜着樂隊暖場熱身和等待表演開始的觀眾的聲音，創造了一種現場表演的氛圍。[115][l]有的學者認為這首歌標誌着「披頭士創作生涯的一個革命性時刻」，因為它打通了觀眾與藝人之間的距離，也就是常說的「第四面牆」。[118]不過看來矛盾的是，這首歌一邊「引用着搖滾演唱會上（與觀眾）打趣時的種種沒頭沒腦的說辭」，一邊卻又在「戲謔着用流行樂專輯引起藝人與觀眾真心交流的想法」。[118]在這些研究者看來，這樣複雜的信息一方面是要與歌迷拉開距離，同時又用一個化身向這些歌迷「揮手示意」。[118]他覺得其中將銅管樂器與電吉他失真音效的混用是搖滾樂與其他風格音樂融合的早期例證。[118]另一些研究者同意這個觀點，並覺得這首歌更像是整張專輯的序曲而不是獨立的一首歌，並「把愛德華時期的多元化樂隊與當時的硬搖滾精巧地融合在一起」。[117][m]某些學者這首歌不對稱的立體聲混音，比如主歌中主唱的聲音一直在右側而中間過渡段的合唱聲則在左側，代表了整張專輯的一個特色。[120]這首歌也是披頭士第一首用到直接輸入技術的歌曲。得益於這種技術，保羅寫的低音部分質感更為豐厚，聽起來也更加通透。[91][n]這首歌的編曲用了一種具有搖滾色彩的呂底亞式（英語：Lydian mode）的和弦進行。前奏與主歌部分基於同主音調的七和弦。在某些研究者看來這使這首歌充滿力量。[121]五小節的過場則是由愛德華時代式的圓號四重奏演奏的。這段是由馬丁基於麥卡特尼唱的旋律改編而成的。[117]之後這首歌在合唱部分轉到五聲調式，其中藍調搖滾式的進行在電吉他通過平行五度演奏的強力和弦下增了半音。[121][o]

麥卡特尼在序曲的最後扮作司儀，以比利·希爾斯這個化名把斯塔爾「介紹上台」。[91]接着在人們的歡呼聲（馬丁在披頭士好萊塢露天劇場演唱會時錄製）中，歌曲過渡到《得益於我朋友的小小幫助》。[123]有的研究者認為斯塔爾在這裡「正正經經的唱腔是要與標題曲中的那種倨傲形成鮮明對比」。[123]列儂與麥卡特尼在背景中搭腔，向斯塔爾問着有關友誼與真愛的意義的問題。[124][p]在一些研究者看來，這首歌「在斯塔爾的觸動人心的表現下……立時變得和藹可親富有人情味」，並且表示出一種「所有人都可以加入進來的包容姿態」。[127]另一些研究者覺得這首歌的主旨在於表現社交的必要性。[124]這首歌用到的雙變格終止在《佩珀中士》發行後成為流行樂常用的一種終止式。有的研究者認為這首歌的編排有許多亮點，特別是最後一段問答關係的反轉：和聲的人問了主唱問題，林戈給出了確定無疑的回答。[128]這首歌最後以非常高的音收尾。樂隊其他三人意圖藉此鼓起林戈唱歌的勇氣。[129]

《露西在綴滿鑽石的天空》
這首歌用到了彈撥爾與勞里管風琴（英語：Lowrey organ）。它們的聲音混在一起產生了奇妙的效果。[130]
播放此檔案有問題？請參見媒體幫助。

儘管人們普遍懷疑《露西在綴滿鑽石的天空》的歌名與LSD有關，不過列儂本人則一直表示這首歌源於他兒子朱利安畫的一幅畫。這首歌的基調則是源於路易斯·卡羅1871年的小說《愛麗絲鏡中奇遇》中的一個充滿幻想的章節。[131]麥卡特尼承認那幅畫確實存在，而卡羅的小說也確實影響了這首歌，並且表示儘管這首歌的標題與毒品表面上的關係也是無意造成的，歌詞則是特意為這首迷幻的歌曲創作的。[132]第一小節以一句邀約式的「乘上船把自己映在河中」開頭，接着則是種種幻象，包括「橘子樹」、「乘着搖擺木馬的人」以及「報紙的士」。[133]馬丁這樣描述前奏的旋律：「左手邊是下降的音階，右手邊則是搖擺的音階」，他覺得這「對於這首歌的耐聽度非常重要」。[134]在他看來，這一節如果沒有「把這個靈機一動產生的前奏與幾乎一字一頓的唱法」放在一起的話，聽起來就可能顯得單調了些。他覺得這種處理方法「誘人魂魄，緊扣心弦」。[135]某些研究者認為列儂的唱腔搭配麥卡特尼的勞里管風琴演奏出的前奏是披頭士運用音色技巧最為巧妙的實例之一。[136]另一些學者則認為這首歌是「專輯中物質世界徹底被歌詞與音樂塑造的迷幻氛圍掩藏住的時刻」。[137]他們覺得「歌詞充分再現了服用迷幻劑後的經歷」。[105]

一些研究者認為《變好》是這張專輯最熱情洋溢的的一首歌。[138]還有的學者認為這首歌「充滿活力的搖滾曲調」讓它在這張充滿迷幻色彩的專輯中鶴立雞群。它的歌詞鼓勵聽者「在當下好好活着並成功來狠狠教訓過去」。[133]這些學者還覺得它還是列儂與麥卡特尼合作的範例，特別是列儂在麥卡特尼寫的合唱歌詞「它一直在變好」的後面加了句有點嘲諷意味的搭腔「不能再差了」。[139]麥卡特尼覺得列儂加的這句「與整首歌唱反調」的搭腔很有他本人的特色。[140][q]這首歌是以兩支分放左右吉他彈奏出的不對稱而活潑的斷音開頭。兩隻吉他分別彈奏F大調九和弦的屬音和下屬音，最終在主歌開始時轉到主音C。其中的屬音作為低音部，通過低音吉他和撥動鋼琴弦演奏兩個相差八度的音這種方式增強。[141]麥卡特尼的低音線 的重音並沒有在歌曲強拍的根音上。[140]

A black and white 1843 circus poster
巴勃羅·范克（英語：Pablo Fanque）皇家馬戲團1843年的一張演出海報。它是《為凱特先生好（英語：Being for the Benefit of Mr. Kite!）》的靈感來源。

一些研究者認為《補上漏洞》是「講述在人群中尋找自我認同感」的過程，特別是尋找把個人與社會整體區分開的「自我意識與人際關係」。[139]還有一些學者覺得這是首表現主人公「心煩意亂和內向」性格的歌，其中麥卡特尼不再用「通常的那種平靜」的口吻，而是用了一種「顯得更心事重重」的唱腔。[142]他們認為這首歌中哈利森的電吉他為這首歌情緒的表達起到非常好的作用。[142]開頭一句中「屋頂上漏雨的洞」改編自貓王的《We're Gonna Move（英語：We're Gonna Move）》。[143]在這首歌中麥卡特尼擺脫了種種不自在，信馬由韁地發揮創意。[144][r]

《她要離家出走了（英語：She's Leaving Home）》（She's Leaving Home）在一些研究看來是在不和的人們之間感情的疏離，特別是因為代溝而疏遠彼此的人們。[146]麥卡特尼用了描述性的口吻，詳細描述一個想要逃離「自私卻又用心良苦」的父母控制的孤單得女孩深處的困境，改編自《每日郵報》刊載的一條少女離家出走的新聞。[147]這首歌沒有用到吉他和鼓，而是仿照《昨日》以及《埃莉諾·里格比》的做法代之以弦樂九重奏和豎琴 。[148][s]

《為凱特先生好！》的歌詞由列儂從巴勃羅·范克馬戲團1843年的一張海報改編而成，該張海報是列儂在拍攝《永遠的草莓地》的PV時在肯特郡的一家古董店裡購買的。[151]有的研究者認為這首歌把海報上的內容與音樂很好的融合在一起，海報上的文字通過音樂得到了新的意義。[152]此外，列儂要求後期製作出那種馬戲團大棚中的效果。馬丁與埃默里克通過拼貼由簧風琴、口琴及蒸汽笛風琴（英語：Calliope (music)）演奏的音效構造了那種氛圍。[153][t]一些研究者覺得這首歌「自然地流露出作者的快樂主義」。[155]另一些研究者認為其中構造的愛德華時代的場景是對唱片開頭的呼應。[156]

第二面

[編輯]
我們不想要耍小聰明糊弄公眾。我們的想法是嘗試着讓人們體味別樣情趣。[157]
– 喬治·哈里森，1967

在放棄了之前已錄好的《Only a Northern Song（英語：Only a Northern Song）》後，哈里森又寫了這首具有印度傳統音樂色彩的《身內體外》（Within You Without You）。[158]這首歌的歌詞顯示了印度吠陀對哈里森的浸染。曲式和配器，比如西塔琴、塔布拉鼓、迪爾魯巴琴（英語：dilruba）及彈撥爾，也都反映了印度傳統的拜讚歌。[159][u]這首歌中有一段披頭士之前作品沒有出現過的自由速度（英語：tempo rubato）樂段。[161]整首歌採用類似於西方音樂中混合利底亞調式（英語：Mixolydian mode）的卡瑪吉音階（英語：Khamaj）。[162]有的學者覺得這首歌是與披頭士慣用風格相差最遠的一首歌。它的歌詞代表着整張專輯抗拒西方物質主義的「意識」。[163]另一些研究者認為它「有很大的探討空間」，並且代表這張專輯「道德方面的靈魂」集中反映了愛之夏時期的披頭士以至反文化運動的觀點。[161]這首歌最後以一片歡笑聲收尾。有些聽者把它解釋為對這首歌的譏笑，不過哈里森本人是這麼解釋的：「它是在聽完5分鐘的悲傷音樂後的釋懷……你應該聽到觀看佩珀中士演出的觀眾們的回應，這就是這張專輯的風格。」[164][v]馬丁用這段輕鬆的時刻引出了《在我六十四歲時》，這首他覺得「最好玩的歌」。[166]

《在我六十四歲時》
有的研究者這樣描述這首歌：「單簧管豐富的音色讓你給整首歌聽起來比專輯中其他歌顯得豐厚飽滿。」[167][w]
播放此檔案有問題？請參見媒體幫助。

有的研究者認為這首《在我六十四歲時》是麥卡特尼「寫給父母的」的歌。這首歌借鑑喬治·豐比（英語：George Formby, Sr.）的劇場音樂風格。其中還引用了唐納德·麥吉爾（英語：Donald McGill）繪製的「海濱明信片」的畫面。[68]它略顯稀疏的編曲包括鐘聲、單簧管以及鋼琴等元素。[169]有的研究者認為這首歌是麥卡特尼「為討好觀眾寫的歌舞雜耍」，被列儂厭棄。[168]另一些研究者認為這首歌是拉格泰姆與流行歌曲的結合體，把它放在結合了印度傳統音樂的《身內體外》之後，是為了展示專輯題材的多樣性。[170]馬丁後來回憶，麥卡特尼在編曲時希望能把單簧管部分寫得「古典些，這樣能繞過感傷的因素，讓這首歌更禁得起咀嚼。這種形式給它猛添了一份諷刺的味道。」 [171]還有一些研究者覺得這首歌是《佩珀中士》「迷幻結構中的一層」，是帶有現實生活味道的間奏。[68]有的學者覺得這首歌的音樂廳氛圍得益於馬丁編寫的單簧管配樂以及斯塔爾對鼓刷的運用。同時，這種氛圍又在麥卡特尼的唱腔以及其中的喬普林與小約翰·施特勞斯式的半音階推動下進一步增強。[172]這首歌錄製時還用到變速技法，把整首歌的音高提了半音，令麥卡特尼的嗓音聽起來更稚嫩。[173]還有的研究者注意到儘管這首歌的主人公與佩珀中士的樂隊有些聯繫，但還是與這張專輯的主題沒什麼關係。[168]

《可愛的麗塔》相對於前一首歌又猛地向迷幻的方向傾斜。[174]有的學者覺得這首歌體現了麥卡特尼創作意象豐富的音樂肖像的能力，同時也是披頭士之後種種不能給人留下印象的作品的先聲。[174]另一些學者覺得這首歌儘管像是漫不經心完成的作品，但還是對這首歌明顯的和弦走向大加讚揚。[175]還有一些學者認為這首歌是對那些強調追求精神提升並摒棄自私自利的權威的諷刺。[176]

《早安早安（英語：Good Morning Good Morning）》的靈感來自家樂氏玉米片的廣告。列儂把廣告歌改編成了這首歌的副歌。這首歌用了帶有布魯斯色彩的A大調上的混合利底亞調式。有的學者覺得列儂藉此表達內心的憤懣。[177]列儂本人對這首歌評價並不高，麥卡特尼則把它看作是列儂對家庭生活挫折的反應。[178]有的學者對這首歌的節奏變換讚賞有加，覺得變換的非常巧妙。[179]有的學者覺得斯塔爾與麥卡特尼演奏的部分是這首歌的亮點。[180]歌曲最後收尾的部分依照列儂的要求放入此起彼伏的動物叫聲。[180]馬丁把最後的雞叫聲與下首歌吉他開始部分做了交疊處理，以實現兩首歌的無縫銜接。[181]

之後，《Sgt. Pepper》作為終曲的引子再現。披頭士的助手尼爾·阿斯皮諾爾向樂隊建議，既然是《Sgt. Pepper》給專輯開場，在鄰近末尾處，樂隊也該再在觀眾前露面。[182]這次再現省略了銅管樂部分，速度也更快。[183]有的研究者覺得樂隊成員此時表面上的興奮，在錄音中清晰地得到了反映。[182]

《生命中的一天》裡的「夢幻模進」
有的學者認為逐步侵入並終結模進的銅管部分為《佩珀中士》「蓋棺定論」。[184]
播放此檔案有問題？請參見媒體幫助。

在《Sgt. Pepper》最後一個和弦結束後，隨着由原聲吉他彈奏出的一個弱拍上的八分音符，被某些學者認為是「史上最悲慘的歌曲之一」正式開場。 [185]《生命中的一天》由列儂寫的四段主歌、一段過場、兩段管弦樂隨機漸強樂段和麥卡特尼插進去的一段。前面的那個漸強樂段是第三段主歌與中間部分的引子。在中間部分之後則是有「夢幻模進」之稱的過場。[185][x]使用管弦樂團的這個想法是麥卡特尼提出的。靈感是從先鋒派作曲家約翰·凱奇和卡爾海因茨·施托克豪森那裡得到的。[188] 這個24小節的漸強樂段是由四十位從倫敦愛樂樂團和皇家愛樂樂團中選出的音樂家演奏的。他們得到的任務是用「純粹的天啟之聲」來補白。[189]馬丁後來形容列儂的要的是「令人恐懼地層層遞進，從微不足道以至最後與世界末日無異」。[190]列儂後來回憶這首歌地創意來自他讀報紙地經歷：「在我寫這首歌時，我把《每日郵報》撐在面前的鋼琴上……裡面有一段提到在在蘭開夏的布萊克本的路上有大約4000個坑洞。」[191][y]在這首歌中，列儂希望能把他的歌聲加上貓王的《傷心旅館》中的那種效果。為了實現這種效果，馬丁與埃默里克加上了相差90毫秒的由剪輯錄音帶得到的「回聲」。[194][z]有的學者覺得，斯塔爾在其中的表現是「他錄過的最具創造性的鼓點之一」。儘管他本人不怎麼喜歡這浮誇的鼓點，但麥卡特尼還是鼓勵他做做嘗試。[189]最後為歌曲以至整張專輯收尾的是像雷鳴一般的鋼琴和弦。列儂、斯塔爾、麥卡特尼以及埃文斯先同時在三架鋼琴上彈奏的E大調和弦，之後再以馬丁彈奏的簧風琴聲加強。[195][aa]有的研究者覺得這首歌是「佩珀幻想曲的收場白……俯察着專輯的全景」，同時它又通過引入「平行宇宙的日常生活」粉碎了「佩珀之地」的種種幻象。[198]另一些學者則認為這首歌寫的「不是生命本身的幻滅，而是在寫對世俗看法的局限之處的頓悟」。[199]在他們看來，它「仍是從藝術的角度對那個時代最透徹而新穎的表現之一」，代表了披頭士的「最高成就」。[200]

在《生命中的一天》結束後，一段15 kHz的高頻聲響起。這段聲音是在列儂的建議下加上的，因為可以嚇着狗。[201][ab]這之後則是來回來去的笑聲和含糊不清的言語，把唱針推到唱片的引出槽。如果沒有引出槽的話，那些沒有配備自動回針裝置的唱機就會循環不停地播放。在背景中可以聽到列儂說到「太過癮了」，麥卡特尼則回應「沒別的法兒。」[203][ac]

封面插圖

[編輯]

《佩珀中士》的封面由英國波普藝術家彼得·布萊克（英語：Peter Blake (artist)）和詹恩·霍沃思（英語：Jann Haworth）依照麥卡特尼的草圖設計，[206]由羅伯特·弗雷澤（英語：Robert Fraser (art dealer)）擔任藝術總監，邁克爾·庫珀（英語：Michael Cooper (photographer)）攝影。[207]專輯封面是一幅多彩的拼貼畫。穿着軍樂隊服裝的樂隊成員站在一班等身大的名人紙板前。[208]哈里森在訪問印度時為了變裝留了濃密的鬍鬚。之後其他成員也跟着留了鬍子。[19] 有的研究者認為，鬍鬚反映了嬉皮士風格在當時日益增長的影響力，而樂隊的服裝則「戲仿了當時英國流行的軍裝風」。[209] 披頭士樂隊站在封面中心的低音鼓後面。藝術家喬·艾格雷弗在鼓面上畫了這張專輯的標題。[ad]

鼓的前面則是一簇擺成「披頭士」字樣的花。[211]樂隊成員穿着緞色軍裝風制服。服裝由戲服製造商M·伯曼有限公司製作。成員右側是從杜莎夫人蠟像館借來的身着正裝、留着「披頭士狂熱」時期蓋頭的成員們的蠟像。[212]這張專輯還開了搖滾專輯在封底上把歌詞全數印出的先例。[213]

A colour image of four men in brightly coloured suits of cyan, magenta, yellow and orange
《佩珀中士》的內封插頁，在麥卡特尼左臂上可以看到寫有「O.P.P.」字樣的徽章。「保羅已死」的支持者認為寫的是「O.P.D.」，意思是「正式宣告死亡」（"Officially Pronounced Dead"）。 據馬丁說，這枚徽章是歌迷送來的禮物，上面的字母是「安大略省警察局」（"Ontario Provincial Police"）的簡稱。[214][ae]

1967年3月30日，庫珀在拍攝封面時，同時也拍了封底和內封插頁。這些照片在一些研究者看來是在傳遞「看得見、摸得着的暖意……與以往那種炫技而又不食人間煙火的封面明顯不同。」[211]麥卡特尼這樣解釋說：「我們在那些日子裡非常在意用眼睛傳達信息……所以邁克爾·庫珀拍照時，我們都在說：『看着相機，打從心底里說我愛你！用力去嘗試和感受愛；通過這個去給出愛！它就會散發出來，它會表現出來。這是一種態度。』就是這樣，如果你看到它，你就會看到我們在眼中付出的巨大努力。」[217]專輯的內封由荷蘭設計團隊製作。他們沒有用標準的白底，而是加上了栗色、紅色、粉色以及白色的波浪紋。[211]專輯的贈品包括一張布雷克和霍沃思設計的剪貼紙板、一張明信片大小的一句列儂家雕像製作的佩珀中士像、一個假鬍子、兩套軍士條紋、兩枚襟章以及穿着緞面制服的樂隊成員的立紙板。[218]有的學者認為，附贈的這些東西是為了幫助歌迷「裝扮成樂隊的樣子」。[219]不過，也有很多人猜測這些東西可能有更深層的含義。[220]

封面裡的名人組影由57幅照片和9尊蠟像攝製而成。這些名人涉及演員、運動員、科學家以及應哈里森要求剪入的自我了悟聯誼會（英語：Self-Realization Fellowship）的四位大師。[221]有的研究者認為這畫面可以看作「那十年的文化風貌指南」，顯示了「陽春白雪與下里巴人間隔閡的打破」使社會民主程度進一步加深。[222][af]最後選中的名人包括鮑勃·迪倫和博比·布林（英語：Bobby Breen）等歌手，馬龍·白蘭度、托尼·柯蒂斯、瑪琳·黛德麗和瑪麗蓮·夢露等電影明星、奧伯利·比亞茲萊等藝術家、桑尼·利斯頓（英語：Sonny Liston）等拳擊手以及阿爾伯特·斯塔賓斯（英語：Albert Stubbins）等足球選手。此外還包括斯坦·勞雷爾（英語：Stan Laurel）、奧利弗·哈代（英語：Oliver Hardy）和W·C·菲爾茲（英語：W.C.Field）等喜劇演員及H·G·威爾斯、奧斯卡·王爾德、路易斯·卡羅與迪倫·托馬斯等作家。[222][ag]列儂曾想把阿道夫·希特勒和耶穌基督加入其中，但遭到拒絕。[224] 當被問到為什麼不收入埃爾維斯·普萊斯利時，麥卡特尼回答說：「埃爾維斯太重要了，遠遠超過了其他人……所以我們沒有把他列入名單，因為他不僅僅是個流行歌手，他是貓王。」[225] 封面插圖的最終成本非常高昂、高達£3000（相當於現在的£57929）。同時代其他的封面的花費不過£50（相當於現在的£965。[218]因為這項工作，布萊克和霍沃思贏得了1968年格萊美最佳唱片封面與平面藝術獎（英語：Grammy Award for Best Recording Package）。[226]

發行

[編輯]

在專輯正式發行前，披頭士給美國歌手卡絲·埃利奧特帶去了試聽碟（英語：Acetate disc）。他們在那天早上六點對着窗外高聲播放着專輯。成員的朋友和前新聞經紀人德雷克·泰勒（英語：Derek Taylor）後來回憶：附近居民打開了窗戶，毫無怨言地聽着，因為他們知道那是還未發行的披頭士的作品。[227]5月26日，專輯在原定的發售日期6月1日前於英國提早發行。美國的發行時間則是6月2日。[44][ah]這張專輯是披頭士首張英美兩個版本收錄內容完全相同的專輯。《佩珀中士》在英國首周奪冠並連續蟬聯22周的周冠，還在前七天裡售出25萬張。[229]6月4日，吉米·亨德里克斯體驗樂隊在倫敦薩維爾劇院（英語：Saville Theatre）演出時表演了專輯的標題曲。愛潑斯坦當時是劇院的所有者。哈里森和麥卡特尼也觀看了演出。麥卡特尼後來這樣描述了那個時刻：「大幕拉開，亨德里克斯向前走來時彈奏着《佩珀中士》。這對於任何一個人來說都是值得大書特書的事。我把這當作是我職業生涯中的最高榮譽之一。」[230]《滾石》雜誌的蘭登·溫納後來回憶說：

自1815年維也納會議以來，西方文明團結最緊密的時刻就是《佩珀中士》發行的那周。歐洲和美國的每一個城市的廣播電台都播放着（它）……每個人都在聽……這是我聽過的最令人驚異的事情。在那一瞬間，西方分崩離析的意識至少在年輕人的心目中重歸為一。[231]

《佩珀中士》被聽眾們廣泛地認為是「愛之夏」在音樂上的寫照。[232]在蒂姆·萊利看來，這張專輯「通過史無前例的大規模傳播，讓人們團結聚集在一起」。[233]美國廣播電台打破了日常的節目安排，在播出時段里循環不停地播放這張專輯。[234]它從1967年7月1日至10月13日占據了美國公告牌專輯榜的第一名位置長達15周。[235]《佩珀中士》在發行的三個月內銷售了250萬張，商業成績超過了披頭士之前所有專輯。[107]其中沒有一首歌在當時作為單曲發行。[236]

業界反響

[編輯]
專業評分
回顧性評論
評論得分
來源評分
AllMusic5/5顆星[237]
'《影音俱樂部》B+[238]
《每日電訊報》5/5顆星[239]
《流行音樂百科（英語：Encyclopedia of Popular Music）》5/5顆星[240]
MusicHound（英語：MusicHound）5/5[241]
Paste（英語：Paste (magazine)）89/100[242]
Pitchfork Media10/10[243]
《滾石專輯指南（英語：The Rolling Stone Album Guide）》5/5顆星[244]
Sputnikmusic（英語：Sputnikmusic）5/5[245]
《鄉村之聲》A[246]

這張專輯在當時獲得了樂評界一致的好評。樂評人廣泛地認同它的質量，認為與其商業成績相符。[247]《泰晤士報》的肯尼思·泰南形容這是「西方文明史的決定性時刻」。[227]理查德·波里爾寫道：「(後人)回味《佩珀中士》這張專輯時，聽到的不僅僅是流行音樂的歷史，而是本世紀的歷史。」[248]《時代》雜誌則表示它是「音樂，任何風格的音樂，發展的歷史始航點」。[107]《新聞周刊》的傑克·克羅爾稱其為「傑作」，將歌詞與伊迪絲·西特韋爾（英語：Edith Sitwell）、哈羅德·品特和T·S·艾略特的文學作品進行比較。尤其是《A Day in the Life》，他認為其可以與艾略特的《荒原》相提並論。 [249]《紐約時報書評》將其定位為「歌曲黃金時代」的先聲，而《新政治家》的威爾弗里德·梅勒斯則讚揚它提升了流行音樂的藝術水準。[250]

當時非常有名的美國評論家，理查德·戈德斯坦（英語：Richard Goldstein (writer born 1944)）在《紐約時報》上寫了一篇尖刻的評論。他覺得《佩珀中士》濫用特效，華而不實。[251]據音樂記者羅伯特·克里斯特高回憶，刊載這篇樂評後，「駁斥與謾罵的信件如潮水般涌到《紐約時報》」。這波抵制的浪潮可能是他在報業史上見過的「樂評獲得過的最大的反響」。[252]戈德斯坦之後為他的評論做了辯護。他解釋說，這張專輯雖然不能與披頭士之前的佳作相提並論，但還是「勝過了八成左右的音樂」。不過他還是覺得「剝去其中的特效，回到作品音樂和感情本質時」，這部作品看起來雖精巧，卻毫無長進。[253]克里斯特高1967年在《時尚先生》的雜誌專欄中表示《佩珀中士》是「守成之作，雖比左輪手槍更精巧，卻沒有本質進步。」，並表示戈德斯坦只是「過度期待的受害者」，並指出他的基本錯誤是「那些濾鏡、混響、管弦樂和加錄的特效讓他對在那些之下還算不錯的本質充耳不聞。」[254][ai]

在1968年頒發的第10屆格萊美獎（英語：10th Annual Grammy Awards）當中，《佩珀中士》攬獲了最佳唱片封面與平面藝術、最佳非古典錄音工程專輯以及最佳當代音樂專輯等獎項。同時它還是首張贏得年度專輯這項殊榮的搖滾專輯。[226]

爭議

[編輯]
後生們再做評論時難免會有一些怨言。有些人會埋怨「團中團」這個概念太狡猾，有的則會蔑視種種精緻的後期技術，還有的則會指責麥卡特尼的歌曲戲份太重（常常被輕視為無足輕重而又太過小布爾喬亞）以及對喬治·哈里森的排擠……唯一一個都感興趣的橋段可能就是永遠像是嗑嗨了似的列儂。[257]
– 克里斯·英厄姆2006年時對《佩珀中士》的評價

1979年，在為《苦中作樂：荒島上的搖滾》收集資料時，編輯格雷爾·馬庫斯請了20位搖滾樂評人投票選出史上最佳搖滾專輯。《橡皮靈魂》有人提及，而《佩珀中士》則無人問津。[258]他表示，到了1968年，在美國人生活的政治和社會方面都經過了劇變的背景下，這張專輯就顯得空洞無物了。他認為這張專輯是「特效的勝利」，也是「那個時代緞色的墓碑」。[259] 他覺得這張專輯「俏皮卻做作」，「與其說是對時代的總結，不如說是對它的妥協」。[231]馬庫斯認為，這張專輯在「受到全世界人們的偏愛」時已「作繭自縛」。[260][aj]

克里斯特高在1981年表示，儘管樂評人在戈德斯坦發出差評時都不同意他的觀點，但後來許多人轉而贊同它的意見。[263]有朋克搖滾新聞界「教父」之稱的萊斯特·班斯（英語：Lester Bangs）在1981年寫道：「戈德斯坦在那篇飽受詬病的樂評中所說的都是對的……這張專輯幾乎一手毀掉了搖滾。」[264][ak]他表示：「六十年代時，搖滾樂開始自視為一種『藝術形式』。而搖滾樂並不是一種『藝術形式』；搖滾樂是從心底里發出的活生生的哀嚎。」[266]音樂學家約翰·康姆斯認為保留真情實感是搖滾的第一要義，並表示許多純粹主義者正是因此抨擊《佩珀中士》，「從渾然天成墮落為華而不實、小題大做而又自以為是。」[264][al]他還表示，批評者們並不把這張專輯看作是一次突破，而是「把所有好的，真實的和搖滾的地方打破了。」[264][am]克里斯特高也表示：「儘管《佩珀中士》被人們視為搖滾傑作中最有影響力的一張。但它也只是最有名而已。從回顧的眼光來看，它身上的日神色彩特別濃烈——精確有節，以至刻板——但它顯然是搖滾主流的異數。」[267]不過在艾倫·穆爾看來：「可能是因為它對文化的衝擊太大，人們對它的要求也就顯得過分苛刻了。」[268]

負面評價

[編輯]

《佩珀中士》自發行以來雖然廣受好評，但這張專輯還是遭到了一些指責。在1998年《旋律之神（英語：Melody Maker）》雜誌組織的評選活動中，它被流行歌星、DJ和記者評選為史上最差唱片。[269]其中抨擊最為猛烈的是音樂人兼記者約翰·羅布，他把這張專輯稱作是1967年搖滾低潮的標誌。[269]《衛報》評論人理查德·史密斯在2007年專輯發行40周年紀念前夕發表了嚴厲的批評：「如果不是最差的話，它肯定就是史上最被高估的專輯」。他還表示，這張「讓人飽受身心煎熬」的專輯之所以經常被音樂報刊列為史上最佳，只是它對文化的衝擊，「並不是因為專輯本身有何長處」。[270]在2007年舉行的「據說很偉大，但很高興沒聽過第二遍的專輯」評選中，藝術家和作家比利·托尼什提名了這張專輯，說它「標誌着搖滾的死亡」。[271]音樂人兼作家比爾·德拉蒙德在2010年發表的一篇文章中稱它是「音樂史中產生過的最糟糕的東西」。[272]2015年，滾石樂隊的吉他手基思·理查茲覺得這張專輯「是一堆混在一起的垃圾，還有點像《Their Satanic Majesties Request（英語：Their Satanic Majesties Request）》」。[273]

關於概念性的爭議

[編輯]

披頭士從《佩珀中士》的第一首歌開始構造上演故事的空間。[91]標題曲在第二面高潮《A Day in the Life》之前的復現，則意味着這個故事框架的完成。[182]不過斯塔爾覺得，只有前兩首歌曲和標題曲的復現才能談得上在概念上有聯繫。[46]列儂同意這個觀點，並在1980年評論道：「《佩珀中士》說是首張概念專輯，但這個概念在任何地方都見不到……（概念看起來）產生了作用也只是因為我們說它有作用而已。」[274]列儂還表示，他在專輯中做的東西與「佩珀中士」無關。此外，他還表示其他的歌曲大部分也同樣沒有什麼聯繫，並指出：「除了佩珀中士介紹比利·希爾斯以及所謂的再現外，其他任何一首歌曲放在任何其他專輯中都不會顯出異樣來。」[274]馬丁在這張專輯完成後就擔心稀少的音樂統一性可能會招致名不符實的指責。[275]

儘管有這些擔憂，人們還是廣泛認為《佩珀中士》是流行音樂中第一張真正的概念專輯」。[276][an]披頭士確實引入了統一單個曲目的總主題。[276]音樂的統一性還體現在，不同調性上的冬季的關係，特別是涉及C大調、E大調和G大調時」。[203]此外，專輯還有共通的和聲形態以及下降的旋律。這形成了專輯總體上的凝聚力，雖然概念上不一定統一，但敘事方式是統一的。[279]不過，除了復現部分之外，這張專輯缺乏套曲那種旋律及和聲的連續性。[280]樂評人威廉·曼在1967年5月寫給《泰晤士報》的一篇評論文章中提出了類似的觀點。他覺得標題曲，它的復現以及「為凱特先生好」之間才存在着主題聯繫，也就是說除了這些歌曲外，這張專輯的「統一性有點似是而非」。[37]1972年，音樂學者理查德·米德爾頓提出這張專輯「組織不清」。聽眾能理解專輯的主旨，但這個主旨實際上顯得有點雞肋。[281]儘管如此，樂評人和歌迷對於《佩珀中士》的概念性與統一性都已有了定見。它也成為「概念專輯」這個詞的濫觴。[282]

後續影響

[編輯]

音樂學家們認為《佩珀中士》是披頭士繼《橡皮靈魂》和《左輪手槍》後藝術進一步成熟的體現。[283]其中有獨立人格的歌詞、後期製作的種種實驗以及為打破傳統曲目時長局限所付出的努力推動了前衛搖滾的發展。[284][ao]《佩珀中士》和《寵物之聲》被凱里·瓊斯認為是開藝術搖滾先河之作。而《佩珀中士》更是「英式迷幻搖滾的扛鼎之作」。[288][ap]《新音樂快遞》雜誌將其評為「管弦樂巴洛克風格的流行傑作」。[290]《滾石》雜誌的安迪·格林認為它昭示着「專輯時代」的到來。[291]在《佩珀中士》發行後的幾年裡，套曲曲式日益受到搖滾界的推崇。而專輯的銷量也首次超過了單曲。[292]有的學者認為正是《佩珀中士》讓專輯從單曲的「分發載體」轉化為獨立的「創作載體」。[293]而奧利弗·朱利恩則認為這張可以作為時代象徵的專輯讓流行音樂進一步得到了社會主流文化的認同。[294]新聞界也認為它影響了1960年代的反文化的發展進程。[295]20世紀70年代的華麗搖滾也借鑑了《佩珀中士》設置化身的手法。MacDonald 2005，第232頁1977年，這張專輯獲得了首屆全英音樂獎的最佳英國專輯獎。[296]

在佩珀中士精工細作的聽覺織錦之下的是四人對音樂窠臼的反抗之聲。他們為此放蕩不羈地做着聲音實驗。硬式搖滾、朋克、金屬、新浪潮、油漬以至其他的流行音樂風格都遵循着他們的先例。[297]
– 克里斯托弗·斯卡佩里蒂，《吉他世界（英語：Guitar World）》2007年6月號

《佩珀中士》以510萬張的認證銷量是英國第三暢銷的專輯。[298][299][300]《佩珀中士》也是美國商業最為成功的專輯之一，截至1997年美國唱片工業協會認證的銷量達1100萬張。[301]它已經在全球售出超過3200萬張，成為史上銷量最高的專輯之一。[302]音樂記者兼作家查爾斯·沙爾·默里（英語：Charles Shaar Murray）在1987年寫給《Q》雜誌的評論中稱這張專輯是1960年代後期傳奇與圖騰的頂梁支柱。[303]安東尼·德·費爾蒂斯也在同一年寫給《滾石》雜誌的文章中形容它是「引起搖滾革命的巨大成就」。[304] 1994年，《佩珀中士》在科林·拉金評選的「史上一千大專輯」中排名第一，並被稱作是「革新、改變並再次定義了現代流行音樂邊界的專輯」。[305][aq]2003年，這張專輯因其在「文化、歷史或是美學方面的重要性」成為收入美國國會圖書館國家錄音名錄的50份錄音之一。[4]同年，在《滾石》雜誌評選的「史上最偉大的500張專輯」榜單中，《佩珀中士》奪得頭籌，同時被稱作是披頭士八年生涯的巔峰。[308]拉金在《流行音樂百科》中寫道：「它不僅僅只是流行專輯，而且還是文化符號，囊括了60年代青年文化的各種元素：波普藝術、裝飾時尚、毒品、即時神秘主義和擺脫父母控制。」[240]2006年，《佩珀中士》被《時代》雜誌選為史上100大專輯之一。[309] 同年，音樂學者大衛·斯科特·卡斯坦稱《佩珀中士》是「史上最重要且最有影響力的搖滾專輯」[5][ar]這張專輯還被收錄在《生前必聽的1001張專輯（英語：1001 Albums You Must Hear Before You Die）》中。[311]

後期製作及封面的影響

[編輯]
喬治·馬丁（對於《佩珀中士》）同樣功不可沒……那些絢爛奪目的歌曲、變幻莫測的歌詞、旋律以及和聲都是自他的手中成形。他還將錄音技術推向未知的水域。[305]
– 科林·拉金，1994

喬治·馬丁與布賴恩·威爾遜一道，普及了「以錄音室作為樂器（英語：Recording studio as musical instrument）」輔助創作的這一思路。[312][as]「將錄音技術融入創作過程中」是《佩珀中士》的一項重要創新。[315][at]埃德加·瓦雷茲的《電子音詩》是這一步的先行者。那部作品使錄音不再只是單純的記錄手段，還是創作的實現手段。《生命中的一天》就是這一思路很好的例證。[317]在《佩珀中士》錄製期間，羅伯特·穆格正在研究第二代鍵盤合成器。但專輯並沒有用上這種合成器。錄製過程是依靠在阿比路錄音室可以用到的電子與原聲樂器以及現場錄製實現的。[318]音樂家兼製作人亞倫·派森認為，由於《佩珀中士》「人們開始認為一張專輯可以花一年的時間來製作。他們意識到專輯是聲音的藝術，不只是音樂方面的創作。這種想法後來逐步轉化為將唱片不只視為現場表演的再現，而且還是獨立的作品。」[319]

A colour image of the façade of a brick building that is painted white
阿比路錄音室

奧利弗·朱利恩認為《佩珀中士》是「錄音室轉化為創作工具的象徵」，標誌着「流行音樂進入為唱機創作的時代」。[320]它長遠的商業成功與巨大的影響力很大程度上得益於馬丁和他的工程師同事們利用錄音室設備發明的新的技術和手法。[321]類似於在引出槽中放入隨機雜音的這種藝術實驗是這張專輯最典型的特徵。[322]在披頭士研究者馬克·劉易松（英語：Mark Lewisohn）看來，《佩珀中士》是樂隊最後一部團結合作的作品。成員間的關係在專輯完成即開始惡化。到了1968年發行白色專輯時，他們的凝聚力已完全消失。[323]埃默里克也曾注意到哈里森與斯塔爾在這張專輯中的邊緣化，並表示《佩珀中士》比起之前專輯來說，列儂與麥卡特尼的個人色彩進一步加深，樂隊合作的味道更淡了。[324]

伊恩·英格利斯表示《佩珀中士》還有一處值得後人銘記的地方是封面「與音樂、藝術以及時空達成了前所未有的對應」。[325]在這張專輯發行之後，封套不再是「聆聽專輯時可以放置一旁的多餘之物，而是這個過程中拓展音樂體驗不可分割的組成部分」。[325]這張封面促進專輯成為值得批判性分析的話題。「流行音樂的結構和文化」就此登上大雅之堂。[326]他還寫道，《佩珀中士》的在視覺和美學角度都具有開創性。其創新而富有想象力的設計受到廣泛的讚譽。它成為平面設計涉足流行音樂的早期推手之一，並被認為是藝術和流行文化之間的明確聯繫的源流之一。[326]蒂姆·萊利認為這張封面是「史上最有名的波普藝術作品之一」。[327]英國廣播公司在1990年代後期把它列入了英國二十世紀藝術和設計傑作名錄。[218]2008年，封面上用到的標誌性的低音鼓皮以67萬歐元的價格拍賣出售。[328][au]

收錄曲目

[編輯]

原版

[編輯]

《佩珀中士》是披頭士首張英美兩國發行的版本收錄曲目完全一致的專輯。[330]下列信息引自劉易松及麥克唐納的描述。[331]

全碟詞曲：列儂–麥卡特尼（除了喬治·哈里森寫的《身內體外》）　
第一面
曲序曲目主唱時長
1.《佩珀中士的寂寞之心俱樂部樂隊》（Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band）麥卡特尼2:02
2.《得益於我朋友的小小幫助》（With a Little Help from My Friends）斯塔爾2:44
3.《露西在綴滿鑽石的天空》（Lucy in the Sky with Diamonds）列儂3:28
4.《變好》（Getting Better）麥卡特尼2:48
5.《補上漏洞》（Fixing a Hole）麥卡特尼2:36
6.《她要離家出走了》（She's Leaving Home）麥卡特尼與列儂3:35
7.《為凱特先生好！》（Being for the Benefit of Mr. Kite!）列儂2:37
第二面
曲序曲目主唱時長
8.《身內體外》（Within You Without You）哈里森5:04
9.《在我六十四歲時》（When I'm Sixty-Four）麥卡特尼2:37
10.《可愛的麗塔》（Lovely Rita）麥卡特尼2:42
11.《早安早安》（Good Morning Good Morning）列儂2:41
12.《佩珀中士的寂寞之心俱樂部樂隊（復現）》（Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band (Reprise)）列儂、麥卡特尼和哈里森1:19
13.《生命中的一天》（A Day in the Life）列儂與麥卡特尼5:39

50周年紀念版

[編輯]
《佩珀中士》50周年公告牌（攝於倫敦）

2017年5月26日，專輯發行了4個版本的50周年紀念版：單CD，雙CD套裝，雙黑膠套裝以及6碟超豪華版。首張CD收錄了一個由喬治·馬丁的兒子賈爾斯（英語：Giles Martin）製作的新的立體聲混音版。在現代技術的加持下，2017年混音版相比起原版聲音更加通透，空間感更加明顯。[332]其他碟片則收錄了其他混音版以及未發行過的素材。6碟套裝有4張CD、1部紀錄片（DVD和藍光兩種版本）和專輯的5.1環繞混音版。[333]

雙CD/黑膠附贈碟/數字版
曲序曲目時長
1.《佩珀中士的寂寞之心俱樂部樂隊》（第9次試錄）2:37
2.《得益於我朋友的小小幫助》（第1次試錄 – 開頭失誤和第2次試錄 – 器樂部分）3:15
3.《露西在綴滿鑽石的天空》（第1次試錄）3:40
4.《變好》（第1次試錄 – 器樂部分和最後成員間交流）2:19
5.《補上漏洞》（成員間交流和第3次試錄）3:28
6.《她要離家出走了》（第1次試錄 – 器樂部分）3:49
7.《為凱特先生好！》（第4次試錄）3:08
8.《身內體外》（第1次試錄 – 印度器樂部分）5:33
9.《在我六十四歲時》（第2次試錄）3:00
10.《可愛的麗塔》（成員間交流和第9次試錄）3:05
11.《早安早安》（第8次試錄）2:47
12.《佩珀中士的寂寞之心俱樂部樂隊（復現）》（第8次試錄）2:00
13.《生命中的一天》（第1次試錄以及最後和弦哼鳴）4:52
14.《永遠的草莓地》（第7次試錄）3:17
15.《永遠的草莓地》（第26次試錄）3:19
16.《永遠的草莓地》（2015年立體聲混音版）4:10
17.《便士巷》（第6次試錄 – 器樂部分）2:56
18.《便士巷》（2017年立體聲混音版）3:00
超豪華版第1碟 — 2017年立體聲混音版
曲序曲目時長
1.《佩珀中士的寂寞之心俱樂部樂隊》2:02
2.《得益於我朋友的小小幫助》2:44
3.《露西在綴滿鑽石的天空》3:28
4.《變好》2:48
5.《補上漏洞》2:36
6.《她要離家出走了》3:35
7.《為凱特先生好！》2:37
8.《身內體外》5:04
9.《在我六十四歲時》2:37
10.《可愛的麗塔》2:42
11.《早安早安》2:41
12.《佩珀中士的寂寞之心俱樂部樂隊（復現）》1:19
13.《生命中的一天》5:39
超豪華版第2碟 — 早期試錄精選，以首錄日期排序
曲序曲目時長
1.《永遠的草莓地》（第1次試錄）2:40
2.《永遠的草莓地》（第4次試錄）3:00
3.《永遠的草莓地》（第7次試錄）3:17
4.《永遠的草莓地》（第26次試錄）3:19
5.《永遠的草莓地》（2015年立體聲混音版）4:10
6.《在我六十四歲時》（第2次試錄）3:00
7.《便士巷》（第6次試錄 – 器樂部分）2:56
8.《便士巷》（和聲加錄部分和成員間交流）1:47
9.《便士巷》（2017年立體聲混音版）3:00
10.《生命中的一天》（第1次試錄）4:41
11.《生命中的一天》（第2次試錄）4:49
12.《生命中的一天》（管弦加錄部分）0:56
13.《生命中的一天》（最後和弦哼鳴）（第8、9、10和11次試錄）1:55
14.《生命中的一天》（最後和弦）2:53
15.《佩珀中士的寂寞之心俱樂部樂隊》（第1次試錄 – 器樂部分）2:34
16.《佩珀中士的寂寞之心俱樂部樂隊》（第9次試錄和成員間交流）2:37
17.《早安早安》（第1次試錄 – 器樂部分，間斷）1:04
18.《早安早安》（第8次試錄）2:47
超豪華版第3碟 — 同上
曲序曲目時長
1.《補上漏洞》（第1次試錄）3:00
2.《補上漏洞》（成員間交流和第3次試錄）3:28
3.《為凱特先生好！》（第1次試錄前成員間交流；第4次試錄和最後成員間交流）3:08
4.《為凱特先生好！》（第7次試錄）2:35
5.《可愛的麗塔》（成員間交流和第9次試錄）3:05
6.《露西在綴滿鑽石的天空》（第1次試錄和最後成員間交流）3:40
7.《露西在綴滿鑽石的天空》（成員間交流、開頭失誤和第5次試錄）4:08
8.《變好》（第1次試錄 – 器樂部分和最後成員間交流）2:19
9.《變好》（第12次試錄）2:45
10.《身內體外》（第1次試錄 – 純印度器樂部分）5:33
11.《身內體外》（喬治與音樂家們交流）3:56
12.《她要離家出走了》（第1次試錄 – 器樂部分）3:49
13.《她要離家出走了》（第6次試錄 – 器樂部分）3:48
14.《得益於我朋友的小小幫助》（第1次試錄 – 開頭失誤和第2次試錄 – 器樂部分）3:15
15.《佩珀中士的寂寞之心俱樂部樂隊（復現）》（成員間交流和第8次試錄）2:00
超豪華版第4碟 — 1967年原始單聲道混音版及附贈曲目
曲序曲目時長
1.《佩珀中士的寂寞之心俱樂部樂隊》2:02
2.《得益於我朋友的小小幫助》2:44
3.《露西在綴滿鑽石的天空》3:28
4.《變好》2:48
5.《補上漏洞》2:36
6.《她要離家出走了》3:35
7.《為凱特先生好！》2:37
8.《身內體外》5:04
9.《在我六十四歲時》2:37
10.《可愛的麗塔》2:42
11.《早安早安》2:41
12.《佩珀中士的寂寞之心俱樂部樂隊（復現）》1:19
13.《生命中的一天》5:39
14.《永遠的草莓地》（原始單聲道混音版）4:08
15.《便士巷》（原始單聲道混音版）3:02
16.《生命中的一天》（未發行初次單聲道混音版）4:43
17.《鑲着鑽石的天空中的露西》（未發行單聲道混音版 – 第11號）3:49
18.《她要離家出走了》（未發行初次單聲道混音版）3:42
19.《便士巷》（國會唱片美國宣傳碟 – 單聲道混音版）3:01

在50周年紀念期間，BBC、PBS以及Arte播放了由蘋果唱片製作、霍華德·古多爾（英語：Howard Goodall）撰稿並主持的紀錄片《佩珀中士的音樂革命》。[334]此外，世界各地多處著名地點，包括紐約時代廣場，都以各種形式，包括張貼海報及樹立公告牌，紀念專輯發行50周年。[335]

主創人員

[編輯]

下列信息引自劉易松及麥克唐納的描述：[336]

榜單成績

[編輯]

《佩珀中士》自發行至1987年在公告牌專輯榜上共計在榜175周。[345]

周榜

[編輯]

銷量認證

[編輯]

到了1967年12月31日，這張專輯在美國售出2360423張。而到1960年末，這個數字則漲到了3372581張。[398]

地區 認證 認證單位/銷量
阿根廷（阿根廷音像製品協會）[399] 2× 白金 120,000^
阿根廷（阿根廷音像製品協會）[399]
1987年再版 		3× 白金 180,000^
澳大利亞（澳大利亞唱片業協會）[400] 4× 白金 280,000^
巴西（巴西唱片業協會）[401] 金 100,000*
加拿大（加拿大音樂協會）[402] 8× 白金 800,000^
法國（法國唱片出版業公會）[404] 金 696,800[403]
德國（聯邦音樂產業協會）[405] 白金 500,000^
意大利（意大利音樂產業聯盟）[406] 金 50,000*
日本（Oricon公信榜） — 208,000[355]
英國（英國唱片業協會）[407] 18× 白金 5,198,291[298]
美國（美國唱片業協會）[408] 11× 白金 11,000,000^

*僅含認證的實際銷量
^僅含認證的出貨量

腳註

[編輯]

注釋

[編輯]
  1. ^ 根據艾倫·J·維納所說，這張專輯在幾十年間一直被認為是在6月1日發行的，不過真實的發行日期應是5月26日。[3]
  2. ^ 麥卡尼曾說這個名字來自他的一次空耳。他把共餐的埃文斯所說的「salt and pepper」聽成了「Sergeant Pepper」。[25]這首歌中提到的「胡椒軍曹」可能是指兩位英國演藝界的傑出人物：威爾·佩珀或他的兒子哈里·S·佩珀（英語：Harry S. Pepper）。威爾·佩珀是愛德華時代的表演會「威爾·C·佩珀的白浣熊」的經理。[26]
  3. ^ 美國樂隊海灘男孩在1960年代中前期的音樂作品日臻完善。在他們的主唱、詞曲作者以及製作人威爾遜的帶領下，他們將源於爵士樂的人聲合唱與衝浪音樂結合，創造出了他們獨特的音樂風格。[31]威爾遜在《寵物之聲》的內頁寫到了這張專輯的創作緣起：「1965年，我聽了專輯《橡皮靈魂》。他對於我來說當然算是個挑戰。我覺得每處剪輯都非常藝術，也非常刺激。」[32]在1966年秋發行的的流行單曲中，海灘男孩的《美妙振動》對披頭士影響尤深。這首歌在《寵物之聲》期間就已開始創作，不過是在專輯幾個月後發行。[33]
  4. ^ 埃默里克後來會想起麥卡尼在錄音間歇時循環播放《寵物之聲》這件事時，又補充道：「當他（對於《便士巷》這首歌）想要那種純美國派的聲音時，我也就感覺不那麼奇怪了」。[36]麥卡尼對於威爾遜的低音線感觸最多，特別是他在其中並不總是用主音這點。[37]從那點出發，麥卡特尼覺得自己的低音線也可以更具旋律性。[38]
  5. ^ 一些學者覺得《胡椒軍曹》最後以一段混亂音響收尾就是仿照《瘋掉了！》。[43]而另一些學者發現披頭四未發表過的一首歌《光的嘉年華（英語：Carnival of Light）》（在為《胡椒軍曹》準備素材時錄製）與《瘋掉了！》的最後一首歌《磁怪之子的歸來（英語：The Return of the Son of Monster Magnet）》驚人的相似。發明之母后來也在1968年的專輯《我們只是要錢（英語：We're Only in It for the Money）》中戲仿了《胡椒軍曹》的封面。[44]
  6. ^ 在埃默里克看來，專輯的錄製過程標誌着麥卡特尼成為「事實上的」製作人，而馬丁則開始常常在需要熬通宵時缺席。[47]而且作為EMI的音頻工程師，他看到：「（到了《佩珀中士》時期，）約翰的性子明顯變了，他對事事不在那麼固執，變得隨和多了。他對於有人能替他思考這件事看起來也挺滿意。」[48]
  7. ^ 披頭士唱片的版權以及阿比路錄音室都歸EMI所有。他們從樂隊的特許使用費中扣除了《佩珀中士》錄製期間錄音室的租金。[50]
  8. ^ 相關實驗可能是從1966年4月錄製《左輪手槍》最後一曲《明天不可知》開始的。[57]埃默里克認為《左輪手槍》與《佩珀中士》錄製過程上的主要區別在於後者沒有給定絕對的截止時間。此外《左輪手槍》的錄製主要集中在下午到日暮後不久這段時間，而《佩珀中士》通常開始錄製時就已是晚上7點。[36]而兩者錄音質量上的差異，在他看來，則主要因為《左輪手槍》是在阿比路三號錄音室錄製的。這間錄音室要比二號錄音室小很多，聲學條件也不能相比。[58]
  9. ^ 馬丁與愛普斯坦覺得讓歌迷為同一首歌付兩次錢並不合適，所以他們決定不在《佩珀中士》中收錄《永遠的草莓地》以及《便士巷》。[63]
  10. ^ 披頭士第一張用到八軌錄音機的專輯是白色專輯。[71]
  11. ^ 《Sgt. Pepper》淡出而《得益於我朋友的小小幫助》淡入，然後《Sgt. Pepper》復現時也用了相同的手法引入《生命中的一天》。[93]
  12. ^ 這裡用到的人群的聲音是從阿比路錄音室的檔案庫提取的。其中觀眾們低聲細語的聲音采自《第28卷：觀眾鼓掌聲與環境聲（皇家阿爾伯特音樂廳及伊麗莎白女王大廳）》。笑聲則取自馬丁1961年的喜劇表演錄音，《邊緣之外（英語：Beyond the Fringe）》而在下首歌的引子部分的尖叫聲則是來自馬丁錄製的披頭士在好萊塢露天劇場的現場表演錄音。[116]他們還用到了2月10日錄製《生命中的一天》的管弦配樂時採集的環境聲。[117]
  13. ^ 一些研究者覺得兩段主歌之間的過場是兩種風格融合的時刻。[119]
  14. ^ 直接輸入技術是由副工程師肯·湯森發明的。他將電吉他直接連接着混音台，不再需要擴音器和麥克風。[91]
  15. ^ 這首歌的主音吉他部分是由麥卡特尼彈奏的。哈里森此前曾花了七個小時的時間錄製這段，但最終未被採用。[122]
  16. ^ 這首歌是麥卡特尼與列儂兩人於1967年三月中旬在麥卡特尼位於聖約翰伍德寓所寫歌時為斯塔爾寫的。列儂用着吉他，麥卡特尼彈着鋼琴，反覆地交流台詞，最終確定了對唱的內容。[125]埃默里克後來表示這首歌是列儂與麥卡特尼那幾年一起寫的為數不多的歌之一。[126]
  17. ^ 列儂寫的歌詞還包括對曾粗魯對待女伴懺悔的字句：「我曾使我的女人痛苦」。[139]他解釋說：「我打人了。我不能說清楚自己的意思，就打了。」[139]在一些學者看來，這首歌鼓勵聽着按照歌中講述者的例子改弦更張：「曾是個這麼卑劣的人的我，也在盡己所能改邪歸正。」[139]
  18. ^ 這首歌的背景音軌由於錄音室租用上的問題改在西倫敦的攝政錄音室錄製。[145]
  19. ^ 由於馬丁當時正忙於其他藝人的工作，麥卡特尼該請邁克·萊安德（英語：Mike Leander）編寫這首歌的弦樂部分。[149]馬丁後來對這件事感覺不怎麼舒服，不過在指揮音樂家演奏時大致還是按照萊安德的原譜。[150]
  20. ^ 埃默里克是在1966年發行的《左輪手槍》中的《黃色潛水艇》裡首次用到這種手法。[154]
  21. ^ 哈里森在3月15日錄製了這首歌的人聲、西塔琴和彈撥爾部分；其他的印度樂器部分是由來自亞裔音樂圈（英語：Asian Music Circle）的住在倫敦的印裔音樂人演奏。樂隊其他成員沒有參與這首歌的錄製。[160]
  22. ^ 這段笑聲采自阿比路音效資料《第6卷：掌聲與笑聲》。馬丁與埃默里克反對加入這個音效，但哈里森還是堅持自己的意見。[165]
  23. ^ 為了契合它的風格，《在我六十四歲時》是《佩珀中士》中用到最多副屬和弦的一首歌。[168]
  24. ^ 在馬丁看來，這段「哀嚎」是這首歌被聽眾成為「大麻夢」的源頭。這段加上回聲音效的過場先由右邊慢慢轉到左邊，再轉回去，之後在左邊突然結束。[186]隨後這段過場在逐漸侵入的銅管部分中結束。第四段也是最後一段主歌開始。之後，歌曲進入最後一個漸強樂段。在那個樂段之後，則是為歌曲收尾的鋼琴和弦。餘聲迴響了近一分鐘。[187]
  25. ^ 歌中那個「上了頭條的幸運兒」來源於披頭士的朋友和吉尼斯繼承人塔拉·布朗（英語：Tara Browne）的事故。列儂後來表示他「沒有照搬事故的始末。塔拉並沒有失神，不過在我寫那段時，我就想寫成那樣」。[192]而在馬丁看來，「他在車裡失了神」這句暗指這位主人公吸過毒。[193]
  26. ^ 列儂不怎麼喜歡自己的聲音，經常要求加上大量的回聲，來把他的聲音淹沒掉。[194]
  27. ^ 《生命中的一天》從1967年1月19日開始錄製。第一次試錄時，列儂在開始時嘟囔着：「糖梅仙子，糖梅仙子。」（"Sugar plum fairy, sugar plum fairy"）[189]麥卡特尼長的那部分則是在第二天錄製的。加錄的管弦部分則是在2月10日錄製的。馬丁先把那部分的錄音露在四條音軌上，最後在混音時把它們做了分層。[196]最後的鋼琴和弦是在12天後錄製的。[197]
  28. ^ 列儂並不知道當時大部分唱機與音響並不能回放這段聲響。許多聽者是到1987年CD版發行後才聽到它的。[202]
  29. ^ 如果把引出槽中的音頻倒放並放慢，就可以聽到麥卡特尼說了句：「我會像個超人那樣干你。」斯塔爾和哈里森則在背景中呵呵地笑。[204]在2012年LP再版時，唱片公司再現出了引出槽。[205]
  30. ^ 這種處理方式與埃塞克斯騎兵團軍樂隊（英語：36 (Essex Yeomanry) Signal Squadron）一樣。它們會把參加的戰役，比如盧斯戰役（英語：Battle of Loos），畫在鼓面上。巧合的是，在北蘭開夏忠誠團（英語：Loyal North Lancashire Regiment）中服役的喬治·哈里森的祖父亨利是在路斯戰役中戰死的。[210]
  31. ^ 其中還可以看到麥卡特尼和哈里森帶着的員佐勳章。[97]佩珀中士的封面自專輯發行之後就引起分析的熱潮。[215]有的學者認為它是流行音樂中唯一一張與專輯本身受到同等關注的封面。其中許多元素經常被援引為「保羅已死」的證據，比如在封面上被當作「死亡符號」的麥卡特尼頭上的手。而在封底上，他也像正要離開那樣背對着相機。[216]
  32. ^ 同時代的英國歌手喬治·梅利（英語：George Melly）認為這張封面是「地下世界的縮影」。[222]
  33. ^ 此外還有卡爾·馬克思、阿爾伯特·愛因斯坦、西格蒙德·弗洛伊德以及卡爾·榮格這樣的哲學家與科學家。[222]斯塔爾沒有參與名人剪影的提名。[223]
  34. ^ 《佩珀中士》發行的日子是在披頭士加入EMI五周年紀念日後幾天發行的。[228]
  35. ^ 當時《旋律之神（英語：Melody Maker）》雜誌也接到對這張專輯負面評價的來信。那些差評可能是爵士樂愛好者寫的。[255]幾十年後，戈德斯坦透露他在寫樂評時音響出了問題，左側的喇叭壞掉了。但吉爾斯·馬丁指出，這張專輯強烈的立體聲效果不大可能讓戈德斯坦忽略音響的問題。戈德斯坦還表示說，他當時「有點被這張專輯嚇到了，在年輕氣盛下決定（寫那篇樂評）。（我想）敲打一下他們，讓他們回去做搖滾樂……他們會說：『哦，我們錯了，我們會回去唱《高高的薩莉（英語：Long Tall Sally）》或『我不會與他人共舞』。』我當時對於《佩珀中士》中那些有預見性的部分並不是很感興趣。」[256]
  36. ^ 蒂姆·萊利認為，《橡膠靈魂》和《左輪手槍》是「感官的奇蹟」，「天衣無縫」，「《佩珀中士》則滿是自負的味道」。[261]《佩珀中士》「只能附和《左輪手槍》」。[262]
  37. ^ 戈德斯坦1967年的對《佩珀中士》的批評主要就是指責他那種過度重視形式的風格，或者用他本人的話說就是「腔調壓過內涵」。[265]他還表示了對於專輯濫用特效的反感，認為這樣「裝腔作勢而且故弄玄虛」。[265]他還覺得專輯缺乏情感，並表示「（即使它是）幻想曲，我也希望能從中得到真情實感」。[265]
  38. ^ 音樂學家約翰·基姆西覺得搖滾音樂從《佩珀中士》開始重視藝術性。[266]在邦斯看來，「朋克搖滾」是「最靠近搖滾本質的風格」，毫不裝腔作勢。[266]在蒂姆·萊利看來，《佩珀中士》有的是「做作」，而「冷落了原始搖滾中的急促與野性。」[262]
  39. ^ 據基姆西所說，像邦斯這樣的搖滾純粹主義者覺得這張專輯缺乏真情實感的觀點，是基於這樣的一個預設：真正的搖滾樂不應「被技巧和藝術自覺侵蝕了本質」。[266]他將邦斯的「態度驅動的凡人」和讓-雅克·盧梭的「高貴野蠻人」做了類比，提出邦斯對於《佩珀中士》的蔑視來源於浪漫主義者對於現代主義的牴觸。[266]
  40. ^ 嚴格說來，發明之母的《瘋掉了！》才是首張「概念專輯」，但普及這個概念的則是《佩珀中士》。[277]而《佩珀中士》、《左輪手槍》、海灘男孩的《寵物之聲》以及誰人樂隊的《湯米（英語：Tommy (album)）》（1969）也都因突出的統一性而有「首張概念專輯」之稱。[278]
  41. ^ 艾倫·穆爾認為《佩珀中士》是「前衛搖滾執迷的統一專輯概念的先聲」。[285]凱文·霍爾姆-赫德森則認為這張專輯是「前衛美學的奠基石」。[286]音樂記者托馬斯·布萊克韋爾認為這張專輯「是前衛搖滾這種風格的源流」。[287]
  42. ^ 學者邁克爾·詹姆斯·羅伯茨認為這張專輯成為了藝術搖滾的範本，開啟了反文化圈的精英主義文化。[289]
  43. ^ 在四年後的第二版榜單中，《左輪手槍》排名第一，《佩珀中士》位列第二。[306]2003年出版的第三版中，《佩珀中士》的排名降至第三。第二的位置讓與電台司令的《善變》。[307]
  44. ^ 2009年，電子遊戲開發商Harmonix（英語：Harmonix）獲得了授權，發行了暢銷的《搖滾樂隊（英語：Rock Band）》系列的披頭士專屬版（英語：The Beatles: Rock Band）。《佩珀中士》是三張完整收錄的專輯之一。遊戲的前半部分是披頭士的現場演出，後半部分則是披頭士在阿比路二號錄音室里「編制迷幻『夢境』」。[310]
  45. ^ 菲爾·斯佩克特和布賴恩·威爾遜也都有開創性的製作人之名。[313][312]。阿維德·馬什·阿什比認為沙灘男孩的《美妙振動》是部分搖滾樂從那時起註定不能在演唱會上聽到的強烈信號。而一些流行音樂人也將事業的主要關注點轉移到錄製那些經過深思熟慮、精雕細琢卻又不能在現場演出的作品上。[314]
  46. ^ 披頭士早在1963年就開始逐步整合編寫和錄製。這個過程在《橡皮靈魂》和《左輪手槍》時期突飛猛進，最終在《佩珀中士》時期開花結果。[316]
  47. ^ 除了發明之母樂隊在1968年的專輯《我們只是要錢（英語：We're Only in It for the Money）》中戲仿了《佩珀中士》的封面之外，滾石樂隊的《應撒旦陛下的旨意（英語：Their Satanic Majesties Request）》以及小臉樂隊的《奧格登的堅果碎了（英語：Ogdens' Nut Gone Flake）》也都有借鑑《佩珀中士》的地方[44]2013年3月30日，一張有樂隊四名成員簽名的《佩珀中士》唱片在達拉斯舉行的一場拍賣會上被一名來自美國中西部的未公開姓名買家以$290500的價格拍下。[329]
  48. ^ 儘管馬丁為埃默里克爭取過工程師的名分，但EMI基於當時的公司規定拒絕了這一請求。在彼得·布萊克因為參與製作封面而獲得金唱片時，埃默里克卻沒有。不過他還是在1968年因為這張專輯贏得了格萊美最佳非古典錄音工程專輯獎。[338]

引注

[編輯]
  1. ^ Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band 2CD Deluxe Edition / 比伯軍曹寂寞芳心俱樂部50周年發行紀念版2CD (2017全新數位化錄製). 台灣環球音樂. 2017-06-09 [2022-07-31]. （原始內容存檔於2022-07-31） （中文）. 
  2. ^ 披头士乐队：The Beatles佩珀军士的孤独之心俱乐部乐队（50周年发行纪念版）Sgt.Pepper'sLonelyHeartsClubBand（CD). 星外星唱片. 京東. [2022-07-31]. 原始內容存檔於2022-07-31 （中文）. 
  3. ^ Wiener 1992，第31頁.
  4. ^ 4.0 4.1 The National Recording Registry 2003. Library of Congress. 2003 [2007-11-19]. （原始內容存檔於2014-11-04）. 
  5. ^ 5.0 5.1 Kastan 2006，第139頁.
  6. ^ Miles 1997，第303頁.
  7. ^ Lewisohn 1992，第210頁.
  8. ^ The Beatles 2000，第229頁.
  9. ^ MacDonald 2005，第212頁.
  10. ^ 10.0 10.1 Martin & Pearson 1994，第7頁.
  11. ^ Lewisohn 1992，第211頁; Martin & Pearson 1994，第7頁.
  12. ^ MacDonald 2005，第212–213頁.
  13. ^ 13.0 13.1 13.2 MacDonald 2005，第213頁.
  14. ^ Lewisohn 1992，第210: the Beatles grew tired of touring, 230: the Beatles' final commercial performance頁; MacDonald 2005，第213頁
  15. ^ Schaffner 1978，第58–59頁.
  16. ^ Julien 2008b，第1頁.
  17. ^ Gould 2007，第367頁.
  18. ^ 18.0 18.1 Julien 2008b，第2頁.
  19. ^ 19.0 19.1 Everett 1999，第71頁.
  20. ^ Rodriguez 2012，第18頁.
  21. ^ Blaney 2007，第8頁.
  22. ^ Womack 2007，第158, 160–161頁.
  23. ^ Harry 2000，第323, 333頁; Julien 2008b，第2頁.
  24. ^ Womack 2007，第168頁.
  25. ^ ‘You Gave Me The Answer’ – Sgt. Pepper Special. Paulmccartney.com. 2017-04-26 [2017-08-23]. （原始內容存檔於2017-08-14）. 
  26. ^ Larry Portis, Soul Trains (2002), p. 224: "Sgt. Pepper was the ghost of either Will Pepper or his son Harry S. Pepper, two outstanding figures in English show business."
  27. ^ Moore 1997，第20–21頁.
  28. ^ Miles 1997，第303–304頁.
  29. ^ Martin 1994，第202頁.
  30. ^ MacFarlane 2008，第36–37頁: Wilson's growing interest in the aesthetics of recording; Kimsey 2009，第37, 235頁: Wilson's admiration for the Beatles' Rubber Soul and Phil Spector.
  31. ^ MacFarlane 2008，第36頁.
  32. ^ Martin & Pearson 1994，第48頁.
  33. ^ Gould 2007，第35頁.
  34. ^ MacFarlane 2008，第36–37頁.
  35. ^ Babiuk 2002，第204頁: "It's very cleverly done"; Julien 2008c，第158頁: "escape the influence".
  36. ^ 36.0 36.1 Emerick & Massey 2006，第142頁.
  37. ^ 37.0 37.1 MacFarlane 2008，第37頁.
  38. ^ Babiuk 2002，第204頁.
  39. ^ Crowe, Jerry. 'Pet Sounds Sessions': Body of Influence Put in a Box. Los Angeles Times. 1997-11-01 [2014-04-09]. （原始內容存檔於2014-04-13）. 
  40. ^ 40.0 40.1 Julien 2008c，第160頁.
  41. ^ Julien 2008c，第158頁.
  42. ^ Miles, Barry. Frank Zappa. Atlantic Books. 2014: 125. ISBN 978-1-78239-678-9. 
  43. ^ Romano 2010，第20頁.
  44. ^ 44.0 44.1 44.2 Everett 1999，第123頁.
  45. ^ Emerick & Massey 2006，第184, 190頁.
  46. ^ 46.0 46.1 Everett 1999，第99頁.
  47. ^ Emerick & Massey 2006，第163頁.
  48. ^ 48.0 48.1 Emerick & Massey 2006，第174頁.
  49. ^ Lewisohn 1992，第232頁.
  50. ^ 50.0 50.1 MacDonald 2005，第215頁.
  51. ^ Everett 1999，第99頁; MacDonald 2005，第212–223頁.
  52. ^ 52.0 52.1 Emerick & Massey 2006，第135–136頁.
  53. ^ Awde 2008，第17頁.
  54. ^ MacDonald 2005，第217–220頁.
  55. ^ Emerick & Massey 2006，第139頁.
  56. ^ Martin & Pearson 1994，第78頁: "continuous technological experimentation"; Martin & Pearson 1994，第82頁: Sgt. Pepper "grew naturally out of Revolver".
  57. ^ Davies 2009，第261頁; MacDonald 2005，第185–193頁.
  58. ^ Scapelliti 2007，第96頁.
  59. ^ Martin & Pearson 1994，第111頁.
  60. ^ Moore 1997，第19–20頁.
  61. ^ Harry 2002，第714頁.
  62. ^ Everett 1999，第99頁: the childhood concept was abandoned in favour of Sgt. Pepper; Miles 1997，第306頁: at Epstein's insistence the single tracks were not included on the LP.
  63. ^ Martin & Pearson 1994，第27頁.
  64. ^ Martin & Pearson 1994，第26頁.
  65. ^ MacDonald 2005，第219頁: 55 hours of studio time; Martin & Pearson 1994，第13頁: "set the agenda for the whole album".
  66. ^ Julien 2008b，第6頁.
  67. ^ Emerick & Massey 2006，第132頁: McCartney's goal; Julien 2008b，第6頁: "Now our performance is that record."
  68. ^ 68.0 68.1 68.2 MacDonald 2005，第220–221頁.
  69. ^ Martland, Peter. Since Records Began: EMI, the First Hundred Years. Amadeus Press. 1997: 250. ISBN 978-1-57467-033-2. 
  70. ^ Emerick & Massey 2006，第191頁.
  71. ^ Emerick & Massey 2006，第176頁.
  72. ^ Lewisohn 2009，第29頁.
  73. ^ Babiuk 2002，第199頁.
  74. ^ Emerick & Massey 2006，第169–170頁.
  75. ^ Lewisohn 1992，第244頁.
  76. ^ Kimsey 2008，第133頁.
  77. ^ 77.0 77.1 Emerick & Massey 2006，第190頁.
  78. ^ Hannan 2008，第62頁.
  79. ^ Lewisohn 1992，第216頁.
  80. ^ 80.0 80.1 Martin & Pearson 1994，第82–83頁.
  81. ^ Martin & Pearson 1994，第105頁.
  82. ^ Davies 2009，第273–274頁.
  83. ^ Davies 2009，第270頁.
  84. ^ MacDonald 2005，第233–234頁.
  85. ^ Everett 1999，第104頁: a Lowrey organ on "Lucy in the Sky with Diamonds"; Everett 1999，第106頁: a Hohner Pianet on "Getting Better", Everett 1999，第107頁: a harpsichord on "Fixing a Hole"; Everett 1999，第110頁: a harmonium on "Being for the Benefit of Mr. Kite!"; Everett 1999，第120頁: a grand piano on "A Day in the Life".
  86. ^ 86.0 86.1 Everett 1999，第100頁.
  87. ^ Everett 1999，第104, 106, 111頁.
  88. ^ Miles 2009，第266–67頁.
  89. ^ The Beatles 2000，第241, 242頁.
  90. ^ 90.0 90.1 The Beatles 2000，第242頁.
  91. ^ 91.0 91.1 91.2 91.3 91.4 Womack 2007，第170頁.
  92. ^ Julien 2008c，第162頁; Lewisohn 1992，第251頁.
  93. ^ Lewisohn 1992，第251頁.
  94. ^ Lewisohn 1992，第252頁.
  95. ^ Scapelliti 2007，第100頁.
  96. ^ Davies 2009，第262頁: the recording of Please Please Me cost £400 (相當於2021年的£7,724); Lewisohn 1992，第253頁: they spent 700 hours recording Sgt. Pepper.
  97. ^ 97.0 97.1 Martin & Pearson 1994，第168頁.
  98. ^ Lewisohn 1992，第252–253頁.
  99. ^ Hannan 2008，第61頁: "The album is made up of a broad variety of musical and theatrical genres"; Moore 1997，第18, 70–79頁: rock and pop; Wagner 2008，第76頁: the "multigenre nature of Sgt. Pepper".
  100. ^ Hannan 2008，第61–62頁: music hall and blues; Wagner 2008，第76頁; rock and roll, vaudeville, big band, piano jazz, chamber, circus, avant-garde, Western and Indian classical music.
  101. ^ Wagner 2008，第76, 89–90頁.
  102. ^ Covach 1997，第31頁.
  103. ^ Grillo, Ioan. El Narco: Inside Mexico's Criminal Insurgency. Bloomsbury Press. 2011: 38. ISBN 978-1-60819-401-8. 
  104. ^ Glausser 2011，第29頁: Lennon and McCartney's contemporary denial of an intentional reference to illicit drugs in the lyrics to "A Day in the Life"; Moore 1997，第60頁: McCartney's immediate denial in Melody Maker; Miles 1997，第325頁: McCartney later suggested that the line was deliberately written to ambiguously refer to either illicit drugs or sexual activity.
  105. ^ 105.0 105.1 MacDonald 2005，第240頁.
  106. ^ Whiteley 2008，第18–19頁.
  107. ^ 107.0 107.1 107.2 Spitz 2005，第697頁.
  108. ^ Moore 1997，第60頁.
  109. ^ Whiteley 2008，第15, 22頁.
  110. ^ Julien 2008c，第166頁.
  111. ^ 111.0 111.1 Whiteley 2008，第22頁.
  112. ^ Moore 2008，第140頁.
  113. ^ Moore 1997，第61–62頁.
  114. ^ Martin & Pearson 1994，第76頁; MacDonald 2005，第233頁.
  115. ^ Everett 1999，第101頁: pit orchestra and audience; Moore 1997，第23頁: the illusion of a live performance; Moore 1997，第27頁: 10 seconds of introductory ambiance.
  116. ^ Lewisohn 1992，第248頁.
  117. ^ 117.0 117.1 117.2 MacDonald 2005，第233頁.
  118. ^ 118.0 118.1 118.2 118.3 Womack 2007，第169頁.
  119. ^ Moore 1997，第28頁.
  120. ^ Hannan 2008，第48頁.
  121. ^ 121.0 121.1 Everett 1999，第101頁.
  122. ^ MacDonald 2005，第233頁: (secondary source); Martin & Pearson 1994，第66–67頁: (primary source).
  123. ^ 123.0 123.1 Womack 2007，第170–171頁.
  124. ^ 124.0 124.1 Womack 2007，第171頁.
  125. ^ Davies 2009，第263–268頁.
  126. ^ Emerick & Massey 2006，第181頁.
  127. ^ MacDonald 2005，第247頁.
  128. ^ Everett 1999，第103頁.
  129. ^ Emerick & Massey 2006，第182–183頁.
  130. ^ Hannan 2008，第50頁.
  131. ^ MacDonald 2005，第240頁; Womack 2007，第172頁
  132. ^ Martin & Pearson 1994，第103–104頁.
  133. ^ 133.0 133.1 Womack 2007，第172頁.
  134. ^ Martin & Pearson 1994，第102頁.
  135. ^ Martin & Pearson 1994，第103頁.
  136. ^ Womack 2007，第171–172頁.
  137. ^ Riley 1988，第216頁.
  138. ^ MacDonald 2005，第241頁.
  139. ^ 139.0 139.1 139.2 139.3 139.4 Womack 2007，第173頁.
  140. ^ 140.0 140.1 Everett 1999，第106頁.
  141. ^ MacDonald 2005，第242頁.
  142. ^ 142.0 142.1 MacDonald 2005，第236頁.
  143. ^ Womack 2007，第106–107頁.
  144. ^ Miles 1997，第314–315頁.
  145. ^ Emerick & Massey 2006，第165頁.
  146. ^ Everett 1999，第107頁.
  147. ^ Everett 1999，第108頁.
  148. ^ Moore 1997，第37頁.
  149. ^ Emerick & Massey 2006，第180–181頁: (primary source) and Martin recording with Cilla Black; Lewisohn 1992，第249頁: (secondary source).
  150. ^ MacDonald 2005，第245頁.
  151. ^ MacDonald 2005，第237–238頁.
  152. ^ Womack 2007，第175頁.
  153. ^ MacDonald 2005，第237–238頁; Moore 1997，第40頁.
  154. ^ Emerick & Massey 2006，第168頁.
  155. ^ MacDonald 2005，第238頁.
  156. ^ Everett 1999，第110頁.
  157. ^ Rodriguez 2012，第210頁.
  158. ^ Everett 1999，第111–112頁; Womack 2007，第176頁.
  159. ^ Lavezzoli 2006，第177–178頁.
  160. ^ Lewisohn 1992，第248頁: London-based Indian musicians and non-participation of the other Beatles; Lavezzoli 2006，第178頁: Harrison singing and playing sitar and tambura on "Within You Without You", and contributors from the Asian Music Circle.
  161. ^ 161.0 161.1 Womack 2007，第176頁.
  162. ^ Everett 1999，第112頁.
  163. ^ MacDonald 2005，第243–244頁.
  164. ^ Davies 2009，第321頁.
  165. ^ Emerick & Massey 2006，第187頁: Martin and Emerick advised against inclusion of the laughter; Lewisohn 1992，第251頁: gleaned from Abbey Road effects tape.
  166. ^ Martin & Pearson 1994，第148頁.
  167. ^ Hannan 2008，第56頁.
  168. ^ 168.0 168.1 168.2 Everett 1999，第113頁.
  169. ^ MacDonald 2005，第220頁.
  170. ^ Moore 1997，第47頁.
  171. ^ Martin & Pearson 1994，第34頁.
  172. ^ Moore 1997，第46頁.
  173. ^ Emerick & Massey 2006，第137頁.
  174. ^ 174.0 174.1 Womack 2007，第177頁.
  175. ^ Moore 1997，第48頁.
  176. ^ MacDonald 2005，第239頁.
  177. ^ Everett 1999，第116頁: "grievance against complacency"; Moore 1997，第50頁: the bluesy mixolydian mode in A.
  178. ^ MacDonald 2005，第234頁.
  179. ^ Womack 2007，第177–178頁.
  180. ^ 180.0 180.1 MacDonald 2005，第235頁.
  181. ^ Martin & Pearson 1994，第75頁.
  182. ^ 182.0 182.1 182.2 MacDonald 2005，第248頁.
  183. ^ Womack 2007，第178頁.
  184. ^ Womack 2007，第181頁.
  185. ^ 185.0 185.1 Moore 1997，第52頁.
  186. ^ Martin & Pearson 1994，第156頁: "vocal wailings", Riley 1988，第227–228頁: panning.
  187. ^ Moore 1997，第54頁; Riley 1988，第228頁: an aggressive brass section.
  188. ^ Martin & Pearson 1994，第56頁.
  189. ^ 189.0 189.1 189.2 Womack 2007，第179頁.
  190. ^ Martin 1994，第209頁.
  191. ^ Davies 2009，第275頁.
  192. ^ Davies 2009，第276頁.
  193. ^ Martin & Pearson 1994，第50頁.
  194. ^ 194.0 194.1 Martin & Pearson 1994，第52–53頁.
  195. ^ Womack 2007，第180頁.
  196. ^ Martin & Pearson 1994，第59頁.
  197. ^ Lewisohn 1992，第241, 244–245, 247頁.
  198. ^ Riley 1988，第225頁.
  199. ^ MacDonald 2005，第229頁.
  200. ^ MacDonald 2005，第228頁: "finest single achievement"; MacDonald 2005，第232頁: "among the most penetrating and innovative artistic reflections".
  201. ^ Womack 2007，第182頁.
  202. ^ Emerick & Massey 2006，第188頁.
  203. ^ 203.0 203.1 Everett 1999，第122頁.
  204. ^ Julien 2008c，第164: see end note number 11頁.
  205. ^ Knopper, Steve. Inside the Beatles' Vinyl Album Remasters. Rolling Stone. 2012-11-12 [2014-04-04]. （原始內容存檔於2014-04-11）. 
  206. ^ Inglis 2008，第92頁: on McCartney's design for the Sgt. Pepper cover (secondary source); Inglis 2008，第92–95頁: the involvement of Robert Fraser, Perter Blake, Jann Haworth and Michael Cooper; Inglis 2008，第96頁: winning the 1967 Grammy Award for the Best Album Cover; Miles 1997，第333頁: McCartney's design for the Sgt. Pepper cover (primary source).
  207. ^ Inglis 2008，第92–95頁.
  208. ^ Gould 2007，第391–395頁: the Sgt. Pepper cover featured the Beatles as the imaginary band alluded to in the album's title track, standing with a host of celebrities (secondary source); The Beatles 2000，第248頁: standing with a host of celebrities (primary source).
  209. ^ The Beatles 2000，第236頁: the growing influence of hippie style on the Beatles; Gould 2007，第385頁: "spoofed the vogue in Britain for military fashions".
  210. ^ Photographies of the big drum in Courrier Picard. 2017-05-30 [2018-01-16]. （原始內容存檔於2017-08-28）. 
  211. ^ 211.0 211.1 211.2 Inglis 2008，第95頁.
  212. ^ Inglis 2008，第95頁; Sounes 2010，第169頁.
  213. ^ Lewisohn 1992，第236頁: the first time lyrics were printed in full on a rock album; Inglis 2008，第96頁: the lyrics were printed on the back cover.
  214. ^ Crouse 2000，第60頁: "Ontario Provincial Police"; Martin & Pearson 1994，第168頁: the badge was a gift from a fan.
  215. ^ Gould 2007，第391–395頁.
  216. ^ Inglis 2008，第98–99頁.
  217. ^ Miles 1997，第344–345頁.
  218. ^ 218.0 218.1 218.2 Inglis 2008，第96頁.
  219. ^ Moore 1997，第57頁.
  220. ^ Everything You Know About Sgt. Pepper's Is Wrong. [2018-01-16]. （原始內容存檔於2017-02-04）. 
  221. ^ Inglis 2008，第93頁: 57 photographs and nine waxworks; Tillery 2011，第81頁: the Self-Realization Fellowship（英語：Self-Realization Fellowship） gurus.
  222. ^ 222.0 222.1 222.2 222.3 Inglis 2008，第93頁.
  223. ^ Inglis 2008，第94頁.
  224. ^ Harry 2000，第412頁.
  225. ^ Harry 2002，第727頁.
  226. ^ 226.0 226.1 For the 1968 Grammy Awards see: 10th Annual GRAMMY Awards. GRAMMY.com. [2014-04-14]. （原始內容存檔於2014-04-14）.  For the first rock LP to receive Album of the Year see: Glausser 2011，第143頁
  227. ^ 227.0 227.1 MacDonald 2005，第249頁.
  228. ^ Lewisohn 1992，第236頁.
  229. ^ Everett 1999，第123頁: debuted in the UK at number one; Moore 1997，第19頁: eight studio album.
  230. ^ McDermott, John. Ultimate Hendrix: An Illustrated Encyclopedia of Live Concerts and Sessions. Backbeat Books. 2009: 52. ISBN 978-0-87930-938-1. 
  231. ^ 231.0 231.1 Riley 1988，第205頁.
  232. ^ Scapelliti 2007，第104頁.
  233. ^ Riley 1988，第205–206頁.
  234. ^ MacDonald 2005，第249頁: radio stations interrupted their regular scheduling; Riley 1988，第205頁: some played the album from start to finish.
  235. ^ Rosen 1996，第95頁.
  236. ^ Lewisohn 1992，第260頁.
  237. ^ 比伯軍曹寂寞芳心俱樂部在Allmusic上的頁面
  238. ^ Klosterman, Chuck. Chuck Klosterman Repeats the Beatles. The A.V. Club. 2009-09-08 [2013-05-26]. （原始內容存檔於2013-05-26）. 
  239. ^ McCormick, Neil. The Beatles – Sgt Pepper's Lonely Hearts Club Band, review. The Telegraph. 2009-09-07 [2011-10-23]. （原始內容存檔於2011-11-04）. 
  240. ^ 240.0 240.1 Larkin, Colin. Encyclopedia of Popular Music 1. Muze. 2006: 487–489. ISBN 0-19-531373-9. 
  241. ^ Graff & Durchholz 1999，第87頁.
  242. ^ Kemp, Mark. The Beatles: The Long and Winding Repertoire. 2009-09-08 [2013-01-06]. （原始內容存檔於2013-10-23）. 
  243. ^ Plagenhoef, Scott. Album Reviews: The Beatles: Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band. Pitchfork. 2009-09-09 [2011-08-10]. （原始內容存檔於2011-08-07）. 
  244. ^ Sheffield, Rob. The Beatles. Brackett, Nathan; Hoard, Christian (編). The New Rolling Stone Album Guide 4th. Simon & Schuster. 2004-11-02: 51–54 [2014-03-23]. ISBN 978-0-7432-0169-8. 
  245. ^ Ponton, Jared. The Beatles – Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band (staff review). Sputnikmusic. 2010-08-08 [2011-10-23]. 
  246. ^ Christgau, Robert. Christgau's Consumer Guide to 1967. The Village Voice. 1976-12-20: 69 [2013-06-22]. （原始內容存檔於2017-02-22）. 
  247. ^ Gould 2007，第420頁; Julien 2008b，第8–9頁; Moore 1997，第58–59頁.
  248. ^ Moore 1997，第59頁: (secondary source); Poirier, Richard. The Performing Self: Compositions and Decompositions in the Languages of Contemporary Life. Rutgers University Press. 1992: 137. : (primary source).
  249. ^ Gould 2007，第420頁; Julien 2008b，第9頁
  250. ^ Julien 2008b，第9頁.
  251. ^ Christgau 2006，第116頁: one of the best-known American critics at the time; Goldstein 2006，第97–101頁: "spoiled" and "reek[ing]".
  252. ^ Christgau 2006，第117頁.
  253. ^ Goldstein, Richard. I Blew My Cool Through The New York Times. Village Voice. 1967-07-20 [2014-04-28]. （原始內容存檔於2014-02-21）. 
  254. ^ Christgau 2006，第116頁.
  255. ^ Moore 1997，第57–58頁.
  256. ^ Edgers, Geoff. 'Sgt. Pepper': Getting better all the time. Press of Atlantic City. 2017-05-16 [2018-01-17]. （原始內容存檔於2018-01-18）. 
  257. ^ Ingham 2006，第47頁.
  258. ^ Marcus 2007，第xxi頁.
  259. ^ Marcus 2007，第258頁: "a Day-Glo tombstone for its time"; Moore 1997，第60頁: "a triumph of effects".
  260. ^ Marcus 2007，第248頁.
  261. ^ Riley 1988，第204–205頁.
  262. ^ 262.0 262.1 Riley 1988，第203頁.
  263. ^ Moore 1997，第59頁.
  264. ^ 264.0 264.1 264.2 Kimsey 2008，第122頁.
  265. ^ 265.0 265.1 265.2 Kimsey 2008，第130頁.
  266. ^ 266.0 266.1 266.2 266.3 266.4 Kimsey 2008，第135頁.
  267. ^ Christgau, Robert. Rock Theater. Robert Christgau. [2014-05-22]. （原始內容存檔於2014-03-25）. 
  268. ^ Moore 1997，第64頁.
  269. ^ 269.0 269.1 Sgt Pepper scorned by new stars. BBC News. 1998-12-09 [2014-06-10]. （原始內容存檔於2017-07-31）. 
  270. ^ Smith, Richard. Sgt Pepper's is the most overrated album of all time. The Guardian. Guardian Media Group. 2007-04-11 [2014-06-11]. （原始內容存檔於2014-07-14）. 
  271. ^ Childish, Billy. Sgt Pepper must die!. The Guardian. Guardian Media Group. 2007-06-15 [2014-09-09]. （原始內容存檔於2014-10-05）. 
  272. ^ Leonard, Marion. The Beat Goes on: Liverpool, Popular Music and the Changing City. Liverpool University Press. 2010-07-26: 129. ISBN 978-1-84631-190-1. 
  273. ^ Chilton, Martin. Beatles' Sgt. Pepper album was 'rubbish', says Keith Richards. The Telegraph. 2015-08-07 [2017-01-01]. （原始內容存檔於2017-01-02）. 
  274. ^ 274.0 274.1 Sheff 1981，第197頁.
  275. ^ Martin & Pearson 1994，第150頁: (primary source); Moore 1997，第64頁: (secondary source).
  276. ^ 276.0 276.1 MacFarlane 2008，第33頁.
  277. ^ Riley 1988，第11頁.
  278. ^ Jones 2008，第49頁.
  279. ^ Moore 2008，第144頁.
  280. ^ MacFarlane 2008，第33, 37頁.
  281. ^ Moore 1997，第65頁.
  282. ^ Elicker 2001，第231頁.
  283. ^ O'Grady 2008，第23頁.
  284. ^ Moore 1997，第18, 70–79頁; Moore 2002，第64頁: the origins of progressive rock are "marked by the release of the Beatles' Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band in 1967"; Moore 2002，第69頁: "The beginnings of progressive rock are normally traced to the Beatles' Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band".
  285. ^ Moore 2008，第139頁.
  286. ^ Holm-Hudson 2008，第10頁.
  287. ^ Blackwell, Thomas. Sgt. Pepper Sets the Stage: The Album as a Work of Art. PopMatters. 2009-11-22 [2014-03-21]. （原始內容存檔於2015-01-29）. 
  288. ^ Jones 2008，第49頁: one of the first art rock albums; Julien 2008a，第xvii頁: a "masterpiece of British psychedelia".
  289. ^ Roberts 2014，第193, 210, 212, 230頁.
  290. ^ 25 Albums With The Most Incredible Production. NME. 2014-02-14 [2016-05-07]. （原始內容存檔於2016-05-06）. 
  291. ^ Kokenes, Chris. 'A Day in the Life' lyrics to be auctioned. CNN. 2010-04-30 [2014-04-11]. （原始內容存檔於2014-01-06）. 
  292. ^ Moore 1997，第72頁.
  293. ^ Julien 2008c，第159頁.
  294. ^ Moore 1997，第62頁: "the cultural legitimization of popular music"; Moore 1997，第68–69頁: a musical representation of its generation.
  295. ^ Sgt. Pepper at 40: The Beatles' masterpiece changed popular music. Pittsburgh Post-Gazette. 2007-06-01 [2013-11-07]. （原始內容存檔於2014-01-06）. 
  296. ^ Anon. Brit awards winners list 2012: every winner since 1977. The Guardian (London). 2012-02-22 [2013-02-03]. （原始內容存檔於2016-01-05）. 
  297. ^ Scapelliti 2007，第57頁.
  298. ^ 298.0 298.1 Jones, Alan. Official Charts Analysis: The Beatles' Sgt Pepper's returns to No.1 after 50 years需要付費訂閱. Music Week (Intent Media). 2017-06-02 [2017-06-04]. （原始內容存檔於2017-06-05）. 
  299. ^ ABBA overtake The Beatles as Gold becomes the UK’s second biggest selling album of all-time. Official Charts Company. [2014-10-01]. （原始內容存檔於2014-10-06）. 
  300. ^ Queen's Greatest Hits becomes first album to sell 6 million copies in the UK. Official Charts Company. [2014-10-01]. （原始內容存檔於2014-02-12）. 
  301. ^ Top 100 Albums. RIAA. [2018-01-18]. （原始內容存檔於2012-08-06）. 
  302. ^ Back in the Day: Sgt. Pepper taught the band to play. Euronews. 2011-06-01 [2014-04-21]. （原始內容存檔於2014-07-26）. 
  303. ^ Murray, Charles Shaar. The Beatles: Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band. Q (London). July 1987 [2013-01-01]. （原始內容存檔於2013-03-19）. 
  304. ^ DeCurtis, Anthony. Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band; Album Reviews. Rolling Stone. 1987-08-27 [2014-04-17]. （原始內容存檔於2014-04-05）. 
  305. ^ 305.0 305.1 Larkin 1994，第7頁.
  306. ^ Larkin 1998，第10頁.
  307. ^ Radiohead gun for Beatles' Revolver. BBC News. 2000-09-03 [2014-04-24]. （原始內容存檔於2014-10-06）. 
  308. ^ Levy 2005，第9頁.
  309. ^ The All-Time 100 Albums. 時代雜誌. 2007 [2007-11-20]. （原始內容存檔於2011-04-24）. 
  310. ^ Radosh, Daniel. While My Guitar Gently Beeps. New York Times: 2, 8. 2009-08-11 [2014-05-09]. （原始內容存檔於2011-04-08）. 
  311. ^ ^ Robert Dimery; Michael Lydon (23 March 2010). 1001 Albums You Must Hear Before You Die: Revised and Updated Edition. Universe. ISBN 978-0-7893-2074-2.
  312. ^ 312.0 312.1 Edmondson 2013，第890頁.
  313. ^ Bannister 2007，第38頁.
  314. ^ Ashby 2004，第282頁.
  315. ^ MacFarlane 2008，第39頁.
  316. ^ Julien 2008c，第162頁.
  317. ^ MacFarlane 2008，第39–40頁.
  318. ^ Hannan 2008，第46頁: no keyboards were used during the album's recording; Martin & Pearson 1994，第108頁: Robert Moog was working on the second generation keyboard.
  319. ^ Julien 2008c，第167頁.
  320. ^ Julien 2008c，第166–167頁.
  321. ^ Hannan 2008，第46頁.
  322. ^ Julien 2008b，第7頁.
  323. ^ Lewisohn 1992，第237頁.
  324. ^ Emerick & Massey 2006，第141頁.
  325. ^ 325.0 325.1 Inglis 2008，第101頁.
  326. ^ 326.0 326.1 Inglis 2008，第102頁.
  327. ^ Riley 1988，第212頁.
  328. ^ Fab four times price for Beatles drumskin. RTÉ news (RTÉ Commercial Enterprises Limited). 2008-07-11 [2014-03-06]. （原始內容存檔於2012-11-13）. 
  329. ^ Couch, Aaron. Signed copy of Beatles' 'Sgt. Pepper's' album sells for record $290,500. NBC News. 2013-03-31 [2013-03-31]. （原始內容存檔於2013-04-02）. 
  330. ^ Southall & Perry 2006，第59頁.
  331. ^ Lewisohn 1992，第350頁; MacDonald 2005，第220–250頁.
  332. ^ Titlow, John Paul. How The Beatles' 'Sgt. Pepper' Was Retooled To Sound Fresh 50 Years Later. Fast Company. 2017-05-19 [2018-01-18]. （原始內容存檔於2017-05-20）. 
  333. ^ Release Date and Formats Revealed for Beatles Expanded 'Sgt. Pepper' Reissue. Ultimate Classic Rock. [2017-05-18]. （原始內容存檔於2017-05-21）. 
  334. ^ Sgt. Pepper's Musical Revolution. PBS. [2017-09-21]. （原始內容存檔於2017-09-14）. 
  335. ^ Sesto, Gino. 50th Anniversary of Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band Celebrated World Wide. Dash Two. [2017-09-21]. （原始內容存檔於2017-09-21）. 
  336. ^ Lewisohn 1992，第232–253頁, MacDonald 2005，第215–250頁.
  337. ^ Emerick & Massey 2006，第132–192頁.
  338. ^ Emerick & Massey 2006，第191–192頁.
  339. ^ Emerick & Massey 2006，第171頁: piano solo on "Lovely Rita"; MacDonald 2005，第235, 237, 246, 239, 241頁; Womack 2007，第180頁: final harmonium chord on "A Day in the Life".
  340. ^ MacDonald 2005，第232頁.
  341. ^ Emerick & Massey 2006，第176–179頁.
  342. ^ Emerick & Massey 2006，第158頁: Martin and McCartney took turns conducting; Gould 2007，第387–388頁: the recording of "A Day in the Life" included a forty-piece orchestra; Martin & Pearson 1994，第35頁: Robert Burns, Henry MacKenzie, Frank Reidy.
  343. ^ MacDonald 2005，第237, 243頁.
  344. ^ MacDonald 2005，第227–232, 237頁.
  345. ^ Whitburn, Joel. Top Pop Albums – 1955–2001. Record Research. 2001: 56. ISBN 978-0-89820-183-3. 
  346. ^ 346.0 346.1 346.2 Kent, David. Australian Chart Book 1970–1992. St Ives, NSW: Australian Chart Book. 1993. ISBN 0-646-11917-6. 
  347. ^ RPM Top Albums/CDs – Volume 7, No. 21, Jul 22, 1967. Library and Archives Canada. [2015-04-08]. （原始內容存檔於2015-04-13）. 
  348. ^ VG Lista – Album Top 40. Hung Medien. [2010-11-16]. （原始內容存檔於2011-12-29）. 
  349. ^ Swedish Charts 1966–1969/Kvällstoppen – Listresultaten vecka för vecka > Juni 1967 > 20 Juni (PDF). hitsallertijden.nl. [2014-01-31]. （原始內容存檔 (PDF)於2012-12-29） （瑞典語）. Note: Kvällstoppen combined sales for albums and singles in the one chart; Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band peaked at the number-five on the list on 20 June 1967
  350. ^ The Beatles – Full official Chart History. Official Charts. [2016-05-13]. （原始內容存檔於2016-05-12）. 
  351. ^ Roberts 2005，第54頁.
  352. ^ Billboard 200. Billboard. [2010-11-16]. （原始內容存檔於2010-11-15）. 
  353. ^ Album Search: The Beatles – Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band (ASP). Media Control. [2010-05-01] （德語）. [失效連結]
  354. ^ dutchcharts.nl The Beatles – Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band (ASP). Hung Medien, dutchcharts.nl. MegaCharts. [2010-05-01]. （原始內容存檔於2013-12-07） （荷蘭語）. 
  355. ^ 355.0 355.1 Oricon Album Chart Book: Complete Edition 1970–2005. Roppongi, Tokyo: Oricon Entertainment. 2006. ISBN 4-87131-077-9. 
  356. ^ The Beatles > Artists > Official Charts. UK Albums Chart. [2013-05-01]. （原始內容存檔於2013-03-13）. 
  357. ^ Album Top 50. Hung Medien. [2010-11-16]. （原始內容存檔於2010-10-26）. 
  358. ^ ultratop.be The Beatles – Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band (ASP). Hung Medien. Ultratop. [2013-05-01] （法語）. 
  359. ^ De 14 a 20 de Setembro 2009. Associação Brasileira dos Produtores de Discos (in Portuguese). [2010-11-16]. （原始內容存檔於2011-09-28）. 
  360. ^ danishcharts.com The Beatles – Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band (ASP). danishcharts.com. [2012-10-12]. （原始內容存檔於2013-12-25）. 
  361. ^ Album Top 50. Hung Medien. [2010-11-16]. （原始內容存檔於2010-01-04）. 
  362. ^ Album Top 20. Hung Medien. [2010-11-16]. （原始內容存檔於2011-12-14）. 
  363. ^ ザ・ビートルズ"リマスター"全16作トップ100入り「売上金額は23.1億円」 [All of the Beatles' "Remastered" Albums Enter the Top 100: Grossing 2,310 Million Yen In One Week]. oricon.co.jp. Oricon Style. 2009-09-15 [2018-01-18]. （原始內容存檔於2013-03-09） （日語）. 
  364. ^ Album Top 40. Hung Medien. [2010-11-16]. （原始內容存檔於2012-11-02）. 
  365. ^ VG Lista – Album Top 40. Hung Medien. [2010-11-16]. （原始內容存檔於2011-12-27）. 
  366. ^ Portuguese Charts: Albums – 38/2009. Hung Medien. [2010-11-16]. （原始內容存檔於2012-10-12）. 
  367. ^ Album Top 100. Hung Medien. [2010-11-16]. （原始內容存檔於2012-10-08）. 
  368. ^ swedishcharts.com The Beatles – Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band (ASP). [2013-05-01]. （原始內容存檔於2013-12-25） （瑞典語）. 
  369. ^ UK Albums Chart. The Official Charts Company. [2010-11-16]. （原始內容存檔於2011-12-14）. 
  370. ^ "The Beatles – Sgt. Peppers Lonely Hearts Club Band". Australiancharts.com. Hung Medien. [2017-06-03].
  371. ^ "The Beatles - Sgt. Peppers Lonely Hearts Club Band" (in German). Austriancharts.at. Hung Medien. [2017-06-08].
  372. ^ "The Beatles – Sgt. Peppers Lonely Hearts Club Band" (in Dutch). Ultratop.be. Hung Medien. [2017-06-02].
  373. ^ "The Beatles – Sgt. Peppers Lonely Hearts Club Band" (in French). Ultratop.be. Hung Medien. [2017-06-02].
  374. ^ On The Charts: June 5, 2017. FYIMusicNews. [2017-06-05]. 
  375. ^ "Top 50 Prodejní". Czech Albums. ČNS IFPI. Note: On the chart page, select 201722 on the field besides the word "Zobrazit", and then click over the word to retrieve the correct chart data. [2017-06-06].
  376. ^ "Danishcharts.dk – The Beatles – Sgt. Peppers Lonely Hearts Club Band". Hung Medien. Retrieved 2017-06-07.
  377. ^ "The Beatles – Sgt. Peppers Lonely Hearts Club Band" (in Dutch). Dutchcharts.nl. Hung Medien. [2017-06-02].
  378. ^ "The Beatles: Sgt. Peppers Lonely Hearts Club Band" (in Finnish). Musiikkituottajat. Retrieved 2017-06-04.
  379. ^ "Longplay-Chartverfolgung at Musicline" (in German). Musicline.de. Media Control. [2017-06-02].
  380. ^ Irish Albums Chart: 3 June 2017. Irish Recorded Music Association. [2017-06-03]. 
  381. ^ Album – Classifica settimanale WK 22 (dal 2017-05-26 al 2017-06-01). Federazione Industria Musicale Italiana. [2017-06-06]. （原始內容存檔於2017-02-23） （意大利語）. 
  382. ^ "Oricon Top 50 Albums: 2017-06-12" (in Japanese). Oricon. Retrieved 2017-06-10.
  383. ^ Top Album - Semanal (del 09 de Junio al 15 de Junio). Asociación Mexicana de Productores de Fonogramas y Videogramas. [2017-07-11]. （原始內容存檔於2017-07-11） （西班牙語）. 
  384. ^ NZ Top 40 Albums Chart. Recorded Music NZ. 2017-06-05 [2017-06-02]. （原始內容存檔於2017-06-14）. 
  385. ^ VG-lista – Topp 40 Album uke 22, 2017. VG-lista. [2017-06-03]. 
  386. ^ "Oficjalna lista sprzedaży :: OLIS - Official Retail Sales Chart". OLiS. Polish Society of the Phonographic Industry. [2017-06-08].
  387. ^ Portuguese Charts: Albums – 22/2017. Hung Medien. [2017-08-01]. （原始內容存檔於2017-08-01）. 
  388. ^ "Official Scottish Albums Chart Top 100". Official Charts Company. Retrieved 2017-06-03.
  389. ^ Top 100 Albumes — Semana 22: del 26.05.2017 al 01.06.2017. Productores de Música de España. [2017-06-07]. （原始內容存檔於2017-08-24） （西班牙語）. 
  390. ^ "The Beatles – Sgt. Peppers Lonely Hearts Club Band". Swedishcharts.com. Hung Medien. [2017-06-03].
  391. ^ "The Beatles – Sgt. Peppers Lonely Hearts Club Band". Swisscharts.com. Hung Medien. [2017-06-07].
  392. ^ "Official Albums Chart Top 100". Official Charts Company. Retrieved 2017-06-03.
  393. ^ Caulfield, Keith. Bryson Tiller Notches His First No. 1 Album on Billboard 200 Chart With 'True to Self'. Billboard. 2017-06-04 [2017-06-05]. （原始內容存檔於2017-06-04）. 
  394. ^ The Official UK Charts Company : ALBUM CHART HISTORY. [2007-12-17]. （原始內容存檔於2007-12-17）. 
  395. ^ Billboard – Top Pop Albums of 1967. [2013-05-03]. 
  396. ^ Billboard – Top Pop Albums of 1968. : 230 [2013-05-03]. 
  397. ^ The Official UK Charts Company : ALBUM CHART HISTORY. [2007-12-17]. （原始內容存檔於2007-12-17）. 
  398. ^ How Many Records did the Beatles actually sell?. Deconstructing Pop Culture by David Kronemyer. 2009-04-29 [2015-07-11]. （原始內容存檔於2016-03-06）. 
  399. ^ 399.0 399.1 Discos de oro y platino. Cámara Argentina de Productores de Fonogramas y Videogramas. [2012-09-16]. （原始內容存檔於2011-07-06）. 
  400. ^ ARIA Charts – Accreditations – 2009 Albums (PDF). Australian Recording Industry Association （英語）. 
  401. ^ Brazilian album certifications – The Beatles – Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band. Pro-Música Brasil （葡萄牙語）. 
  402. ^ Canadian album certifications – The Beatles – Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band. Music Canada （英語）. 
  403. ^ Les Meilleures Ventes de CD / Albums "Tout Temps". Infodisc.fr. [2017-02-19]. （原始內容存檔於2017-03-03）. 
  404. ^ French album certifications – The Beatles – Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band. Syndicat National de l'Édition Phonographique （法語）. 
  405. ^ Gold-/Platin-Datenbank (The Beatles; 'Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band'). Bundesverband Musikindustrie （德語）. 
  406. ^ Italian album certifications – The Beatles – Sgt.Pepper's Lonely Hearts Club Band. Federazione Industria Musicale Italiana （意大利語）. 
  407. ^ British album certifications – The Beatles – Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band. British Phonographic Industry. [2013-09-15] （英語）. 
  408. ^ American album certifications – The Beatles – Lonely Hearts Club Band. Recording Industry Association of America （英語）. 

參考文獻

[編輯]

外部連結

[編輯]
維基共享資源上的相關多媒體資源：比伯軍曹寂寞芳心俱樂部
取自「https://wiki.zwnes.eu.org/w/index.php?title=比伯軍曹寂寞芳心俱樂部&oldid=84971303」